Atlantide, l'empire perdu est une tentative intéressante de Disney, qui mise sur le filon de l'aventure à l'ancienne le temps d'un film bien trempé qui mélange pas mal de sources d'inspiration, aboutissant à une histoire clichée à l'univers merveilleux.

L'histoire : Dans l'Angleterre victorienne, un apprenti archéologue est contacté par un ami de son grand père pour monter une expédition ayant pour but de trouver l'Atlantide, selon les indications laissées par ce dernier dans un journal.

Bon, ce scénario est pétri de facilités. Le journal indiquant l'entrée d'une faille souterraine à des milliers de mètres de profondeur et répertoriant l'ensemble du savoir des atlantes en étant basé sur des textes anciens et des multitudes de documents poussiéreux ou perdus, c'est aussi crédible qu'une paire de lunettes pyrogravées en antarctique (Transformers, pour ceux qui ne suivent pas). L'avarice technologique a bon dos, mais le principal défaut du film reste surtout les graphismes de ses personnages. Le style de dessin est particulier, et d'ailleurs, le côté composite mélangeant dessin à l'ancienne et animation 3D cohabite plutôt bien (alors que cet essai sera un échec sur Ghost in the Shell 2 quelques années plus tard). Mais le traits est grossier dans les angles, et les designs angulaires ont ce côté à l'arrache des dessins animés bouclés en vitesse. Mais ce sont surtout les dessins des personnages qui pâtissent de ces défauts, les décors sont merveilleux, grand soin des arrières plans qui permet grandement à l'univers de prendre forme). Et c'est là que le film émerveille et marque de nombreux points. Passant au mixer l'oeuvre de Jules Vernes en lui rajoutant un design steam punk qui fait immédiatement plaisir (les véhicules rétro-futuristes, le dynamiteur et l'équipage du sous marin...), le film réussit immédiatement son pari de nous faire vivre une aventure à l'ancienne, autant dans la forme que dans le fond (classique découverte d'un peuple, de la compréhension de ses valeurs et de sa préservation). C'est l'ancêtre d'Avatar, avec ce côté à l'ancienne prompt à enflammer l'imagination nostalgique qui sommeille chez le spectateur. A un tel niveau, on ne cherche rien d'autre que son plaisir, et le parcours de nos aventuriers ne cesse d'enchaîner surprises et révélation, pour sans cesse nous en donner à voir encore et encore. Même les personnages secondaires cabotins sont attachants, sans cesse enchaînant les vannes de caractère ou de profession, sans occulter la simplicité de leurs trajets. Petite merveille aux éclats imparfaits, Atlantide, l'empire perdu a largement de quoi contenter l'amateur d'aventure, en sachant sur quoi mettre l'accent pour créer l'émerveillement, le suspense et la satisfaction.

2001
de Kirk Wise, Gary Trousdale
avec Michael J. Fox, James Garner

5/6

Cette chronique arrive assez tard, pour confirmer une tendance qui avait déjà ressurgi dans plusieurs de mes avis. Il s'agit bien d'une critique de 2001 et d'une réhabilitation 2010. Au delà de la jubilation d'être à contre courant (je suis sûr que mon usage du mauvais goût sera retourné contre moi), j'estime que si 2001 mérite des louanges pour ses effets spéciaux, il se révèle discutable sur plusieurs points. Et pour faire une petite démonstration et me faire plaisir, je place en exclusivité un lien de téléchargement pour récupérer une version de 2001 que j'ai intégralement remonté, en enlevant tout ce qui me semblait inutile et en changeant complètement l'accompagnement musical (à bas Ligetti ! Et j'ai sélectionné essentiellement des musiques des années 60 pour montrer ce qu'il aurait été possible de faire, à quelques facilités près), pour donner une version plus personnelle de l'expérience, en tout cas beaucoup plus agréable à regarder selon mes critères. J'ai hâte de lire vos avis et d'en débattre.

2001 l’Odyssée de l’espace… Chef d’œuvre immaculé, éblouissante démonstra tion technique doublée d’une portée métaphysique s’interrogeant sur l’évolution de l’homme et de l’outil, c’est un simple incontournable du cinéma (qui ne semble avoir retenu de lui qu’un œil rouge robotique). Un mastodonte inégalé, inspirant les plus grands (Noé, DePalma…) et dont la liste des qualités se révèle tout simplement infinie (en termes de techniques cinématographique, Kubrick est tout simplement le précurseur de Cameron). Et pourtant, il s’agit aussi d’un des films les plus éprouvants à regarder…

L’histoire : en contact avec un étrange monolithe, de grands singes inventent l’outil, servant à la fois pour la chasse et pour le premier meurtre. A l’époque de la conquête spatiale et de l’exploration minière de la Lune, un second monolithe est découvert. 17 ans plus tard, une mission spatiale est lancée en direction de Jupiter.

Il faut être de mauvaise foi pour oser critiquer LE chef d’œuvre de SF de l’histoire du cinéma. Le monument intouchable et immaculé. En l’occurrence, il est vrai que 2001 est intelligent dans sa façon d’aborder les thèmes et de faire ressurgir un climat mystique dans toutes les apparitions du fameux monolithe. Il est tout bonnement inutile de revenir sur les effets spéciaux, éblouissants pour l’époque. Les décors sont tout simplement parfaits, il n’y a rien à critiquer sur l’épatante direction artistique de l’ensemble du projet. Et pourtant, c’est bien dans la forme que 2001 se révèle être aussi agréable qu’un arrachage de carie chez le dentiste. Premier argument : 2001 est un film chiant. Mais vraiment chiant, sans le moindre temps mort question ennui. Le rythme est constamment au point mort, la faute à une ambiance sonore souvent ratée et à un montage qui ôte toute trace de dynamisme. Si le film n’a pas vieilli question effets spéciaux (même dans la forme technologique, les écrans ne font pas écran plat), il l’est considérablement dans son rythme et sa narration (oui, il prend son temps au cours de sublimes séquences à effets spéciaux, mais certaines phases de son histoire aurait clairement pu être dynamisées par une musique appropriée). Solaris de Soderbergh, film chiant par excellence, prenait en tout cas soin de son public en lui donnant un film agréable à contempler, lui aussi incapable de dynamiser son récit, mais prenant au moins soin de lisser ses formes (et on peut à cet effet remercier la musique de Cliff Martinez, un régal auditif de tous les instants). 2001 voulait de toute façon être un film culte, c'est pour cela qu'il fait autant durer ses séquences à effets spéciaux. Mais aujourd'hui, ce genre de détail purement technique est devenu quelconque avec l'usage du numérique. Et donc 2001 ne se retrouve vite bientôt qu'avec plus rien d'autre que la technique à offrir, et rien d'autre. Prouesse technologique pour l'époque, mais vu d'aujourd'hui, la longueur des plans retarde surtout l'intrigue, finalement pas très dense.

Balançons maintenant la bombinette : la musique de 2001 est ratée. Il est certain que la fameuse ouverture sur Ainsi parlait Zarathoustra, culte, est efficace, et que la musique de Ligetti, souvent inaudible, parvient pendant quelques minutes à être en phase avec les images. En dehors de cela, le choix de la musique classique pour les séquences stellaires se révèle tout simplement insupportable. Complètement en décalage, sans la moindre logique et surtout en détruisant l’ambiance (ok, on a compris la valse des vaisseaux et de la musique), ce choix, souvent acclamé par les critiques, est un gros point noir de 2001. Le rythme déjà lent s’en trouve considérablement rallongé, et surtout, rarement images et sons n’auront semblé aussi déphasés. En termes d’ambiance musicale rétro sur fond de space opera, Wall-E se révèle considérablement plus agréable et fluide. Mais c’est le choix de 2001 de miser constamment sur la mystification de l’ambiance et un fort sentiment d’oppression pour trouver une efficacité hélas bien discutable quand elle empêche le spectateur de s'immerger par la gêne qu'elle suscite. Et ces séquences où seule la respiration des spationautes occupe le son et qu'on voit des actions se dérouler à vitesse ralentie sans coupure... Osons le dire, le vide, c'est chiant.

Enfin, dernière attaque de mauvaise foi : le final nawak. Comme je l’ai précédemment dit, 2001 est très habile dans sa façon d’aborder les thématiques (l’outil, l’évolution, la quête mystique des origines…). Et il est bien conscient qu’il faut laisser une conclusion ouverte (c’est ce qui fait la puissance d’un chef d’œuvre : sa capacité à parler à tout le monde). 2001 tente alors le joli coup de l’esbroufe avec le trip sensoriel. Séquence psychédélique inoubliable dont le bordélique s’ajoute au nawak total. Jusqu’à la fameuse séquence où personne ne comprend rien, où notre personnage se contemple en train de vieillir avant de se changer en fœtus. Métaphore évidente de la renaissance de l’Homme, diront beaucoup. Fumisterie ! leur répondrais-je ! La séquence semble insister sur énormément de détails dans lesquels tout le monde cherche une signification, alors que visiblement, la scène a été complètement tournée « à l’instinct » (la séquence du verre cassée ne montre selon moi rien de plus qu’un verre cassé). Irréversible et ses scènes très improvisées parvenait lui aussi à suggérer beaucoup plus que ce qu’il montrait réellement. C’est complètement le cas de ce final, dont la transformation ultime reste la plus belle énigme. Dans ce regard final du fœtus faisant face à la caméra, que peut-on lire ? De l’incompréhension, je pense. Dans un magnifique pied de nez aux analystes méticuleux et aux fans de SF les plus endurcis, ce final est l’un des plus ouverts et des moins explicites qui soit (l’accession à un stade supérieur de conscience, l’interprétation Nietzchéenne de l’enfant en tant que surhomme… autant d’outils qui nous laissent complètement désarmés dans la déroute de cette… ouverture). Il délaisse ce qu’il a abordé pour partir vers quelque chose de nouveau (qui vise la transcendance, autant être ambitieux…).

1968
de Stanley Kubrick
avec Keir Dullea, Gary Lockwood

3/6

Pour récupérer ma version de 2001, cliquez sur cette phrase.

Après avoir attaqué gentiment 2001 et son aura impérialiste dans le monde de la SF (je le reconnais, nombre de ses choix ont été intelligents, notamment celui d’oublier la guerre froide, situation qui a longtemps parasité le cinéma de SF des années 50 à 80, Alien est une belle exception), venons en à 2010, qui parle de guerre froide en 2010. Mouhahaha ça commence bien pour la défense du film. Et pourtant, c’est un cru que j’ai toujours préféré à son prédécesseur.

L’histoire : Sept ans après les évènements de 2001, de nouveaux évènements sont enregistrés sur les mouvements du Discovery en orbite autour de Io, satellite de Jupiter. Alors en pleine concurrence dans les avancées du domaine spatiale, la Russie prépare une mission d’inspection. Des scientifiques américains tentent alors de négocier leur place pour participer au voyage.

Première constatation, on n’échappe pas au gimmick du communisme. Et le film affiche d’office quelques défauts à l’impact formel certain quand on compare à 2001. Ce dernier avait des airs de space opera en ne posant les pieds sur le sol que dans son introduction, ici, on a vraiment l’impression d’avoir un film des années 90 sous les yeux, qui rompt la continuité avec son prédécesseur. C’est bien ce qui est problématique dans son évaluation, car difficile de tenir compte de ses qualités si il ne respecte pas les règles établies par son prédécesseur en revendiquant tout de même la filiation… Autre écueil de taille : les effets spéciaux. Pas mal de plans sont très bien réalisés, mais plusieurs montrent des résultats décevants (je pense au catapultage gravitationnel autour de Jupiter, où la moitié des plans montrent une boule en feu qui brûle dans l’espace (avec même quelques petites gouttes d’essence enflammées qui « tombent »), pendant que des écrans de toutes les couleurs défilent devant nos russes). Et cette première sortie extravéhiculaire qui sent bon l’incrustation… Et ce poste de pilotage russe constellé de millions de boutons de couleurs différentes qui n’ont rien d’ergonomique… Ce côté a indéniablement vieilli, un peu la honte quand le prédécesseur n’a toujours pas pris une ride. Et enfin, certaines lourdeurs apparaissent dans son contexte social. Le petit passage de Bowman sur terre, entre autres, qui ne sert à rien. Mais aussi dans son fond. Vu que nous avons les deux camps de la guerre froide, on se doute que la coopération va devoir se tourner en collaboration et en rapprochement des peuples. Mais à plusieurs reprises, le film fait quelques erreurs un peu lourdes, comme cette petite ruscoffe qui vient se blottir contre Roy Scheider pendant le catapultage, ou encore l’absence d’apparition de Bowman auprès des russes, qu’il aurait été bien plus avisé de traiter davantage, plutôt que de les voir comme de simples taxis de l’espace. Car c’est finalement davantage leur rôle, malgré les quelques avancées scientifiques qu’ils font. Et les américains auraient alors eu à faire confiance aux russes sans avoir eu de preuve de leur côté, en les obligeant à mettre aussi leur suspicion de côté.

Pour le reste, je trouve 2010 passionnant à bien des niveaux. Il a déjà une fonctionnalité qu’avait moins son prédécesseur (qui envoyait une mission en un battement de cil de deux ans aux confins du système solaire parce qu’un signal a été détecté là bas, et après on vient chier sur Prometheus…) dans les motivations des américains et des russes, et surtout, il est foisonnant et veut apporter des réponses. Je trouve que l’ambiance fonctionne clairement mieux ici que dans 2001, car l’ensemble n’est plus uniforme. 2001 est un film sans relief (sauf pour son final), 2010 mute sans arrêt, change ses objectifs selon ses découvertes, et tout en parvenant à conserver une part de mysticisme (l’excellent entretien entre Scheider et Bowman pendant lequel le film brise des codes cinématographiques avec des faux raccords montrant un personnage changeant sans arrêt de forme et disparaissant d’un changement de plan à l’autre, un procédé efficace et particulièrement bien trouvé). On part en sachant à peu près ce que l’on va trouver, mais de nouvelles découvertes (entamées par les analyses sur Europe) viennent changer la donne et vite rajouter de nouveaux intérêts. 2001 ne réussissait à introduire cette peur « cosmique » que lorsqu’il arrivait en face du gigantesque monolithe. Ici, cette peur est constante, le film s’appuie beaucoup dessus. Rarement on aura eu la sensation d’être aussi proche d’éléments colossaux, capables de détruire les modestes observateurs simplement en poursuivant les évènements cosmiques qui sont à l’œuvre. Et par-dessus cette peur, l’escalade vers la guerre entre les deux blocs rend les choses intéressantes entre les équipes russes et américaines, qui se voient donner des ordres par leurs gouvernements respectifs alors qu’ils ne sont plus sous leur juridiction. Le rapprochement par la science était initialement le bon moteur pour entamer les relations (c’est moins le cas aujourd’hui, vu que la science protège jalousement ses résultats pour en tirer un max de profits), cette peur était aussi une bonne piste, mais le film n’a pas réussi à conclure d’une façon très probante cet axe, puisque finalement, ils ne font que fuir ensemble et rentrer au pays.

Mais c’est aussi le traitement sur Hal-9000 que j’ai beaucoup apprécié. Quand on est cinéphile, il est impossible de ne pas parler de son revirement meurtrier dans 2001 et de ressortir cette interprétation sur la dégénérescence de l’outil, que 2001 marquait comme spontanée (une petite erreur étrange qui semblait se répercuter et qui gagnait en puissance avec la non remise en cause de la machine), 2010 la recadre comme une erreur humaine ayant entraîné un conflit entre les paramètres de mission de la machine. Le film joue alors sur l’indécision des hommes concernant son statut d’ordinateur meurtrier, et surtout par la reprise des mêmes erreurs pour se simplifier la tâche (ignorant les réactions de Hal concernant la perspective de son autodestruction, ils lui cachent le destin du Discovery pendant leur fuite. Par ce petit procédé, le film parvient à garder d’un côté les craintes actives, et de l’autre appuyer son message sur une vision plus morale de la technologie, la machine étant enfin programmée de façon cohérente par le créateur.

Enfin, 2010 regorge de faits scientifiques. Question réponses, le film développe considérablement les pistes de son prédécesseur, montre les mécanismes de création de vie (et ici, d’une étoile rendant la vie possible sur un monde), affine le statut de l’entité monolithique (plus perçue comme se rapprochant du contexte divin que des aliens), détaille le fonctionnement de Hal (avec quelques maladresses, les concepts émotionnels comme la joie et la satisfaction auraient dû être traités avec un peu plus de retenue, tout comme cette insistance sur les rêves). De ce côté-là, le film est passionnant, fonctionnel, et ouvre de nouvelles pistes constamment.

Au final, 2010 se révèle tout simplement plus vivant que le désincarné 2001, il a plus de reliefs aussi, malgré ses erreurs qui le rabaissent surtout dans la forme. La prise de risque du film est à nuancer, puisqu’il s’inscrit dans un contexte un peu différent de son prédécesseur, mais néanmoins, les pistes qu’il privilégie pour les icônes héritées de Kubrick possèdent un intérêt, tout en assurant un certain spectacle (chose qui ne venait jamais à l’esprit de 2001, radicalement ancré dans sa rigidité de ton. Plus souple et plus riche, à défaut d’être vu comme du bon goût, 2010 est une suite qui me semble honorable, qui parvient ici à trouver un équilibre que je trouve nettement plus satisfaisant en termes d’immersion que le trip mégalo de Kubrick. Pas toujours très bien inspirée hélas, mais constamment dans la progression, et ambitieuse de par ses conclusions, au sens cosmique en tout cas (les petites suggestions cathos des paroles de Scheider sont un peu regrettables, mais l’évocation du concept divin est appropriée).

1984
de Peter Hyams
avec Douglas Rain, Roy Scheider

4/6

Avec All night long, on tient une saga underground japonaise ultra-violente dont l’aura pourrait être comparée à celle des fameux Guinea pig. Elle se rapproche en tout cas de l’esprit du premier, dans ce qu’elle a de plus voyeuriste et malsain, focalisée sur la mise en scène d’histoires perverses à base d’ultra violence physique et psychologique. Si le premier assure sa mission sans grand génie, le second est celui qui possède la réputation la plus sulfureuse. Histoire d’aller au vif du sujet, commençons par ce que la saga a de meilleur à offrir.

L’histoire : un geek asocial (pléonasme) est harcelé et régulièrement battu par une bande de jeunes désoeuvrés, dirigés par un leader particulièrement attaché à lui, tout en laissant libre cour à un amour pervers…

L’intérêt de ce petit film (une heure vingt, sans rapport avec les autres opus de la saga) réside moins dans son ultra violence physique que dans son climat psychologique. Particulièrement avec le personnage du méchant, qui ne peut s’empêcher de torturer inévitablement toutes les personnes auxquelles il s’attache, la psychopathie manifeste de ce dernier lui faisant mépriser le monde entier. En cela, son portrait est particulièrement abouti, jusqu’à l’excès quand on voit que sa bande le suit toujours alors qu’il a torturé l’un d’entre eux. Beau, lunatique et parfaitement ambigu d’un bout à l’autre du film, il est le genre de méchant qu’on affectionne immédiatement, car il jouera la carte de son caractère jusqu’au bout. Vient maintenant le côté troublant du film (qui me fait hésiter sur le ressenti global plutôt bon que j’ai éprouvé). Ce film est un film homosexuel. Mais au dernier degré. Souvent, dans le cinéma, les homosexuels sont des victimes plus ou moins coriaces dans le cinéma d’horreur (seule petite exception anecdotique : le nanar Hellbent). Ou à la rigueur, un psychopathe jaloux ou possessif (l’excellent Talentueux Mr Ripley). Mais ici, c’est l’ensemble du film qui est la tribune de psychopathes homosexuels déviants. La quasi intégralité des protagonistes sont masculins, et dès les 5 premières minutes, le grand nombre de comportements ambigus ou explicites ne trompe pas sur les tendances en cours. Notre personnage principal est introduit d’office comme un jouet victime (en bonne partie consentant), racketté et battus par les brutes pendant que l’apollon sadique contemple la scène avant d’y ajouter sa contribution mêlée d’avances. Le malaise introduit est total, d’une puissance comparable à celle de l’épisode 0 d’Ichi the killer. C’est sur la vision des femmes que le film m’a en revanche beaucoup heurté, et dont les intentions me semblent douteuses. Ces dernières sont humiliées sur toute la longueur du film. Mais une véritable humiliation, une dégradation totale et sans borne, de la Femme en général. Une adolescente violée transformée en chienne d’appartement, totalement consentante, et encourageant les pulsions vicieuses des hommes alentours, une autre qui n’a absolument aucune contenance, qui se défend en poussant de pathétiques gémissements inoffensifs, et qui une fois droguée se livre avec complaisance aux perversions du groupe d’ado. Dans chaque détail, le film fait l’apologie de la femme objet, inconsistante en dehors de ses organes sexuels (« si vous n’aviez pas ce trou, vous seriez totalement inutiles ») et réduite en bas de l’échelle du respect social. Autant d’acharnement a de quoi semer le doute, et braquer sans doute une bonne partie des spectateurs, même dans l’extrême, à son encontre. Cependant, ce viol moral soutient particulièrement bien cet étrange climat qui imprègne le film, qui consomme le malaise jusqu’au bout, conservant cette atmosphère gay délétère jusqu’à son paroxysme dans la demeure du chef, dont plusieurs scènes ultra violentes bien réfléchies permettent de pousser au maximum les déviances de chacun. Hélas, le film capote quand il cède à la boucherie, s’embourbant dans le classique pétage de câble sans queue ni tête qui fuit à défaut de conclure (cette phrase, « c’est demain la rentrée ! », n’ouvre sur rien). Mais malgré cette déconvenue, l’atmosphère qui imprègne ce film, particulièrement jusqu’auboutiste (notre geek affiche lui aussi des pulsions sadiques, parfois avec une virtuosité malsaine assez frappante), procure le malaise promis par la réputation. Une horreur ultime dans un univers ultra masculin, misogyne et partiellement ambigu.

1955

de Katsuya Matsumura

avec Masashi Endô, Ryôka Yuzuki, Masahito Takahashi

4,5/6

A day to kill est un petit film de prime abord intéressant, puisqu’il part d’un postulat simple et couillu (un jeune peaumé déclenche une fusillade dans un centre commercial) pour faire des portraits humains et les entrechoquer les uns aux autres pour créer ces petites vagues qui forment la vie et son essence. De l’apprentissage via les rencontres. Magnolia en est l’exemple majestueux, A day to kill en est une version plus malade, s’attachant à des personnages cabossés, torturés, peaumés, dont on partagera les errances et les impressions. Hélas, le résultat est en dessous des attentes.

L’histoire : un jeune homme déclenche une fusillade dans un super marché. Une bande d’adolescent, un client arrêté pour voyeurisme et un jeune marginal vont voir leur destin bouleversé.

Avec son intro couillue, le film partait pourtant sur de bons rails, filmant un punk impassible mettant à mort sa famille avant d’incendier sa demeure, brûlant les ponts qui auraient pu le détourner de la direction choisie. Etalant son regard pragmatique et son agressivité, il avait un soupçon de carrure qui pouvait faire illusion question menace. C’est surtout avec la gestion du personnage principal (enfin, ce n’est pas vraiment LE personnage principal, mais c’est celui avec lequel on passera le plus de temps) que le film commence à battre de l’aile. En effet, par ses élans perceptifs, il prend pour habitude de nous donner l’histoire de différents clients qui circulent dans le wall mart, décrivant sans pudeur leur passé. Une façon comme une autre de les introduire et de rendre hommage aux petites existences mornes qui pullulent sur Terre. Mais ce personnage principal est juste ultra agaçant. Enchaînant sans arrêt les citations philosophiques et les traités de morale qu’il a glané ça et là (alors qu’il pisse contre des voitures sur un parking), il affiche une hypocrisie morale d’une complaisance vite énervante parce qu’il ressemble à un petit intello faisant sa crise d’égo sans jamais mettre en pratique ses discours, qu’il étale généreusement devant sa nana pour la faire craquer. Mais heureusement, une révélation après 20 minutes nous révèle qu’en fait, il se fait des films, et que la jeune dont il est amoureux est une peaumée qui exploite son amour pour lui extorquer du fric, et qui se fout de son intelligence ou de ses sentiments (elle ne jure que par la queue). Enfin un peu de frustration et de complexité, qui posent l’état d’esprit d’un jeune sur la voix de la psychopathie (il subit tellement de pression dans ce monde qu’il ne comprend pas qu’il en vient à vouloir réagir avec violence, avec quelques analogies avec le forcené à la clef). Malheureusement, dans n’importe laquelle de ses digressions (le film est plutôt complet, prenant le temps de donner des éléments pour chacun des personnages qu’il a introduit), le film échoue à créer la floppée de sentiments qu’il recherchait. Il affiche une telle envie qu’on y adhère à fond et qu’on le voit comme un film sur la vie (comme si on n’avait pas compris dans quoi on mettait les pieds) qu’il rajoute de la musique classe, douce et mélancolique, et une voix off langoureuse qui accompagne les gens dans leurs parcours, quelle qu’en soit la tournure. On t’explique la vie sans te laisser toi-même faire ta propre expérience, tu vois ? Il y avait quelques honnêtes tentatives ça et là (une femme frustrée dévisageant des clients à la recherche d’affection, un suspect torturé par la bande d’ado sous prétexte des soupçons qui pèsent sur lui…), mais le traitement est si primaire, les personnages sont si quelconques (ce n’est pas vraiment à cause de leur carrure modeste, mais plutôt que la façon dont ils sont mis en scène ne crée pas l’empathie visée), que la virtuosité recherchée échoue tout simplement à exister. Reste un film bourré d’idées qui avait matière à se démarquer comme une bonne surprise (et dont la structure est plutôt bien construite), mais qui ne parvient pas à susciter l’empathie.

2014
de Joseph Hahn
avec Cameron Monaghan, Peter Stormare

1.6/6

Après un premier film médiocre et un second qui remontait largement le niveau tant question suspense que des mécanismes politico-médiatiques mis en jeu. On attaque maintenant la troisième partie, qui met enfin le feu aux poudres de la révolte. Ou pas vraiment.

L'histoire : Katniss, emmenée dans le district 13 se préparant pour la révolte, se voit proposer le rôle de porte étendard de la révolte. Elle finit par s'y résoudre, en négociant la protection des anciens vainqueurs des hunger games, alors que Pita est utilisé par le Capitole pour briser l'élan du mécontentement populaire.

Piteux retour sur à l'affiche de Katniss, interprétée par une Jennifer Lawrence qui continue sur la même longueur d'onde avec son profil d'adolescente. Malheureusement, cette première partie est en dessous des attentes qu'on avait après la seconde partie. Que s'est-t-il passé ? Ca s'est surtout ramolli au niveau du rythme, la faute à la séparation en deux parties et à une certaine aseptisation du matériau ( à part un charnier du district 12 et une légère évocation de torture, on en restera là). L'histoire se poursuit dans la continuité sans que rien de pleinement significatif n'arrive, comme si on jouait la montre en attendant l'année prochaine pour nous en mettre plein la vue question dénouement. Il n'y a aucune incohérence ici, tout est logique, mais laborieux, en tout cas sans la moindre surprise. Les règles médiatiques sont ici utilisées non plus pour dénoncer un divertissement à sous texte politique, mais pour propager une révolution. La propagande mise en scène (les premiers clips numériques absolument nuls) est vite abandonnée pour laisser la place à celle qui simule le réalisme. Pita jouant les amants brisés appelant les foules à l'apaisement auquel Katniss répond par des appels au combat dans plusieurs lieux touchés par la répression. A ce titre, mes plus sincères reproches au casting de l'équipe télé, un sacré combo de fautes de goûts, mais la saga Hunger games s'est révélée plutôt atypique sur ce terrain. Mais ici, tout se révèlera incroyablement laid et quelconque, le côté purement fonctionnel de cet opus semblant flinguer la moindre prétention artistique. Les enjeux psychologiques entourant Katniss sentent le réchauffé (sa relation avec Pita, qu'on sent être dramatique, se résume à gémir devant un écran, sa relation avec son copain chasseur à lui faire un kiss pour soulager sa souffrance), et on s'ennuie presque devant cette guerre médiatique dont on prédit à l'avance les évolutions. Le film essaye de se montrer immersif à plusieurs reprises (pendant le bombardement notamment). Peine perdue, on ne voit finalement plus rien, sans être davantage avancé. On a quelques scènes d'actions ? Las, elles durent toutes moins de 5 minutes (entre le bombardement, la prise du barrage et la révolte des bûcherons...). Et le reste du temps, on écoute de simples dialogues fonctionnels qui font avancer à bas débit l'histoire. Enfin, il est impossible de ne pas aborder la performance assez médiocre de Julianne Moore, qui réussit haut la main à rendre son personnage énervant, tout en échouant par la suite à la rendre sympathique (avec une telle coupe de cheveux, c'était de toute façon perdu d'avance). En bref, c'est la suite qui poursuit l'histoire, sans autre forme d'intérêt (les idées politiques sont vite envoyées ou déjà connues (l'oppression par la peur et la division médiatique)), ni grandes ambitions. Lawrence garde surement le meilleur pour la fin, et il a intérêt si il veut nous revoir pour la seconde partie, ce qui est déjà moins sûr...

2014
de Francis Lawrence
avec Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson

2/6