Avec la planète des singes, on avait découvert un blockbuster audacieux qui transcendait la commande du matériau original et nous propulsait au coeur d'une révolution simiesque aussi enragée que communicative. La suite, on l'attendait tous avec impatience. Et la voilà qui arrive, sous la houlette de Matt Reeves, plutôt bon dans l'art de remaker (Let me in). Verdict : on est sur la mauvaise pente, mais ce n'est pas honteux.

L'histoire : Alors que 10 ans se sont passés depuis la propagation du virus, les humains survivants tentent de remettre en état un barrage pour subvenir à leurs besoins en énergie. Toutefois, ce dernier est sur le territoire des singes savants, plus nombreux.

Ah, il y a un parfum de déjà-vu qui flotte sur cet affrontement. Pourtant, c'était pas faute d'essayer de détourner nos attentes au cours d'une première moitié qui se révèle être la meilleure du film, à savoir une tentative de cohabitation direct entachée par un cliché humain si con qu'on souhaite direct sa mort. Mais le titre étant ce qu'il est, on sait que la situation va dégénérer, mais hélas, pas pour les bonnes raisons. Le film se vautre en effet sur plusieurs points, à la fois dans son scénario et dans ses détails. Si le cliché du connard à la gâchette facile est le principal problème de la première moitié, celle ci est un bon exemple de continuité vis à vis de son prédécesseur. En effet, elle se révèle plutôt conforme aux méthodes de communications des singes (via le langage des signes), ces derniers ne pouvant prononcer que des mots à une syllabes ou aux sonorités rudimentaires (un excellent point qui impose de regarder le film en anglais, la VF détruisant intégralement ce fragile équilibre). Et sur l'évolution politique et sociale des singes, elle est plutôt bien construite (même si on se demande quel rôle social jouent les guenons portant des ornements sur leur visage, ils n'ont pas encore de culte ou de concubines, que je sache). Et ce fragile équilibre se brise en mille morceaux quand la piste principale du script est découverte.

SPOILER :

Koba, le singe balafré du premier film, tente le coup d'état en assassinant César avant de faire accuser les humains. Ce singe développe dès le début une haine des humains. Mais cette haine, franche et simple, est sans cesse remise sur le tapis, alors qu'on a déjà compris, et de voir alors ce personnage clairement secondaire squatter le devant de la scène, alors qu'il cumule toutes les tares en mode gros cliché, c'est frustrant comme pas permis. Un banal putch avec en prime César qui a l'indécence de survivre pour revenir lui péter la gueule). Raahhhhh ! Putain de scénaristes paresseux ! Le plus frustrant, c'est qu'ils avaient en plus les bases du futur conflit : les singes s'estimaient supérieurs aux humains. Fascisme, ingérence, régulation d'un peuple menaçant mais aujourd'hui faible, il y avait largement matière à faire de la SF politique infiniment plus recherchée que ce cliché de scénario pondu en 5 minutes. Mais bon, le public est venu se divertir, on ne va pas se baser sur son intelligence. Et voilà que Koba (je vais l'appeler kabo à partir de maintenant) se met à parler en sortant des phrases construites avec des notions sortant du cadre simiesque ("on va leur faire payer !" vraiment ?), ils traquent les humains mais ne les tuent pas (ou pas beaucoup), Kabo agresse tous les principes de base de la société des singes et personne ne le remet en question... Les tares s'ajoutent les unes avec les autres. La meilleure, Gary oldman (bon personnage, moins con que ce que la bande annonce laissait présager) se sacrifie pour faire s'effondrer un immeuble... qui s'ébranle à peine avant ce rester bien en place. Un épic fail digne d'un The dark knight rises.

FIN DES SPOILERS

On arrive à la fin du film en se disant : "tout ça pour ça", un blockbuster à la carrure de suite faible qui exploite sans vergogne les bases sans les développer davantage. Heureusement, la débâcle scénaristique fout les singes dans la panade, les voyant maintenant obligés de faire face à un conflit qu'ils ont déclenché, plantant des bases solides pour le 3ème épisode (hélas annoncé à nouveau sous la direction de Matt Reeves). On peut s'attarder sur la facture technique, je laisse les geeks admirer le réalisme des singes, naturellement plus poussé ici pour filmer les nombreuses scènes d'action du métrage. De même, les personnages humains sont plutôt réussis dans l'ensemble. Côté singe, tout le monde est au rendez-vous, on ne peut hélas que déplorer la présence du fils de César, qui affiche une gueule de benêt pendant l'ensemble du long métrage. En résulte un gros morceau décevant, qui se révèle être le gros pétard mouillé de l'été, gâchant le potentiel qu'on lui offrait sur un plateau.

2014
de Matt Reeves
avec Andy Serkis, Jason Clarke

3/6

Si on sait que Serges Gainsbourg a été un sommet de provoc avec ses chansons aux paroles évocatrices (Love on the beat…), il s’est aussi essayé à l’art cinématographique. A une époque où la nouvelle vague fait rage et où le moindre message peut donner au film un caractère engagé propice à son succès, le petit Serges attrape une caméra et passe à la strict réalisation, avec encore un film qui va choquer le bourgeois. Il s’agit de Je t’aime, moi non plus, dont les relens carrément homosexuels (plantés dès l’introduction) contamineront chaque parcelle de cette œuvre, sans la moindre subtilité et avec une insolence qui frise le génie.

L’histoire : Crasky et son compagnon Padovan, éboueurs, s’arrêtent pour manger dans un snak peaumé en campagne. Il remarque alors une serveuse, surnommée Johnny, à la silhouette particulièrement masculine.

Exemple typique d’un film qui n’aurait pu être tourné qu’en France, malgré son étrange visuel sans repères (malgré le français, plusieurs inscriptions sont en anglais). Aucun scénario, tout est directement appelé à n’être qu’une illustration, une variation de son sujet. Aussi, le film ne parle pas vraiment d’homosexualité (bien qu’il envisage la sexualité essentiellement sous cet angle), mais plutôt de la déliquescence naturelle de la structure du couple ou d’une relation durable. L’amour n’existe pas, il n’existera jamais, ce film en est la négation absolue, le porte-étendard des partouzeurs et du free-sex. Il nie même l’importance des sentiments, et affiche un égoïsme constant dans la relation, une cruauté et une large prédominance des pulsions sur le partage. C’est exactement ce qu’on pouvait attendre de Serges Gainsbourg, lui qui a souvent (et parfois avec virtuosité) parlé des maux d’amour. Partant de là, chaque personnage servira à illustrer une idée, sera l’incarnation de telle ou telle pulsion. La forme que prend Je t’aime moi non plus est l’aboutissement du style film d’auteur français, qui mise tout sur sa mise en scène en ayant rien à branler de son scénario, d’ailleurs, est-il seulement important d’en avoir un ? C’est illustrer l’idée qui compte, car le cinéma, c’est l’image et le son. Aussi, on constatera que les cadrages sont immondes, que le montage est approximatif, que la prise de son est dégueulasse. Mais que la bande originale est merveilleuse (souvent sur le décalage, sa petite mélodie romantique accompagnant les pulsions de chacun), et que la mise en scène est d’une maîtrise assez incroyable, en tout cas d’un aboutissement qui justifie à lui seul le visionnage du film. Petite cerise sur le gâteau, la présence de Depardieu dans les seconds rôles, ce dernier jouant un homo toujours accompagné de son cheval, cantonné dans son ambigüité sans jamais tenter un pas vers l’autre. On retrouve aussi Michel Blanc dans la carrure d’une petite tante que tout le monde écrase perpétuellement, et Jane Birkin dans le rôle de Johnny. L’homme pivot, c’est donc Crasky, qui séduit Johnny au nez et à la barbe de son ancien amant. On note donc la satisfaction de cette dernière, les brimades homophobes qu’elle lui fait subir quand ses goûts remontent lors des ébats, l’anéantissement de Padovan. Tout est clairement explicite, et tout énumérer serait long et inutile. Le film met essentiellement en exergue la futilité de continuer à croire en l’amour, de quelque espèce, ce qu’il englobe n’étant finalement qu’envie ponctuelle, pulsion et intérêt personnel. Absolument tout ce que j’ai tendance à détester, mais l’efficace fluidité de la mise en scène crée finalement un tout cohérent, et parfaitement fonctionnel. A la base, ce qui comptait était surtout de choquer le bourgeois. Formellement dans l’insertion en milieu gay où les repères sont brouillés, et dans le fond, avec cette négation ultime de toute forme de profondeur ou de transcendance via l’amour. Cette quête est une impasse, alors autant profiter des opportunités qui passent à portée, tant qu’elles restent dociles et conformes aux règles de vie qu’on s’est établis. Mieux vaut brandir et assumer son égoïsme que tenter de croire en une idée qui n’a, de toute façon, jamais existé concrètement.

1976
de Serge Gainsbourg
avec Jane Birkin, Joe Dallesandro

4,5/6

Autre grosse attente de l’année, the Raid 2 était prévu pour être un bon poids lourd de l’été 2014. Polar, action, violence interdite aux moins de 16 ans, les mamelles du cinéma d’action moderne qui se lance corps et âme dans le combat. N’en déplaise aux détracteurs, question rythme, The Raid était un sacré modèle du genre, se donnant 5 minutes pour planter l’introduction, puis embrayant direct sur un rythme ininterrompu (on ferme les yeux sur les 5 à 10 minutes de temps mort au milieu) qui ne nous lâchait qu’à la toute fin. Ici, the raid 2 a en plus un scénario. C’est tout gagné, il va enfin pouvoir passer auprès de tous les publics ! Et bien non.

L’histoire : Le frère de Rama est exécuté par Bejo, un escroc bouffi d’ambition qui cherche à s’implanter par la force en Corée. Afin de s’en rapprocher, Rama s’infiltre dans le milieu criminel via le fils d’un des grands parrains, détenu en prison.

C’est vraiment marrant, car le seul reproche que je faisais à The Raid, c’était le manque de scénario, sa trame rachitique et ses gros clichés pour ne pas avoir à développer. Ici le scénario, même si il fonctionne lui aussi avec quelques clichés (ah, cette bonne vieille rivalité père-fils dans les milieux du crime), est suffisamment développer pour avoir une petite consistance. Le problème, c’est qu’il fait passer la durée du film à 2h30. Résultat : il n’y a plus de rythme. Les chorégraphies qui nous semblaient si efficaces dans le premier semblent ici beaucoup plus artificielles et plates, les grands espaces dans lesquels les combats ont lieu diminuant l’immersion et la proximité. Ce n’est même pas une question de lisibilité, l’action se suit parfaitement. Mais le climat étant clairement moins axé sur la peur et l’urgence, la formule se révèle tout simplement moins efficace. Comme en plus, le film fait 2h30, l’action est diluée dans le lot, sous la forme d’une scène costaude toutes les 10-15 minutes histoire de se rappeler qu’on est dans The raid 2. Mais le résultat est clairement moins impressionnant. Curieusement, même si ce n’est pas faute d’avoir voulu élever un peu le quota de violence (marteau, batte, machette, sourire de l’ange au cours de la baston boueuse), le résultat est moins percutant que son prédécesseur, qui s’attardait à peine sur ses effets gores, privilégiant clairement le rythme. Du coup, chaque combat n’a pas vocation a marquer durablement le spectateur, on zappe même facilement ceux du milieu. Seul le combat dans la boue (bordélique, mais doté d’une certaine esthétique) et l’assaut final (qui donne enfin le quota de violence et d’intensité à la hauteur de son prédécesseur) remplissent le cahier des charges. Soit en tout et pour tout 20 à 25 minutes sur 2h30. Le reste tient de l’accessoire et du gadget, naviguant entre le cahier des charges et le superficiel, la personnalité des protagonistes étant toujours gentiment éludée, et les enjeux ne sortant jamais du cadre du polar classique. Une ou deux révélations ça et là, un brin de suspense pour quelques séquences… C’est finalement le manque de surprise qui mine les fondations de The raid 2. Le premier bénéficiait clairement de l’absence d’attentes, et avait fait monter les enjeux si haut en termes d’intensité combative qu’on s’attendait à une explosion pour le 2, qui n’est somme toute qu’un film potable. Une gentille direction artistique, et quelques idées sympathiquement efficaces qui hélas ne rachètent pas la débâcle. Une belle déception.

2014
de Gareth Evans
avec Iko Uwais, Julie Estelle

3/6

American Nightmare (aka The purge) était un film avec un sacré potentiel qui restait sous exploité. L’accession au rang de saga avec l’arrivée d’une suite plus ambitieuse (étendant son concept au-delà des limites de la simple demeure) était une assez bonne nouvelle, dans la mesure où le concept pouvait prendre une ampleur dépassant de très loin son modèle. J’y croyais, à cette purge anarchiste. Bien mal m’en a pris…

L’histoire : une serveuse mexicaine et sa fille politisée, un mystérieux inconnu sur-armé, un couple au bord de la rupture se retrouvent dehors pendant la nuit où il ne fallait pas.

On ne va pas reprendre les éloges sur le potentiel énorme d’une idée de légaliser le crime durant une nuit aux USA, il y a tellement de bonnes idées sociales qui en découleraient qu’on valide direct n’importe quel projet allant dans ce sens. Ici, la multiplicité des personnages principaux, ainsi que le cadre urbain de la purge nous promettaient un survival riche en rebondissements, tout en se frottant à des sujets sociaux. Encore aurait-il fallu que le scénariste s’y attaque avec subtilité. Car c’est bien là que le bas blesse. L’introduction, meilleur passage du film de très loin (personnages plutôt bien introduits, différentes menaces potentielles qui se profilent avec des figurants patibulaires encore tenus par les laisses de la loi en attendant que commence la nuit de purge), a le don de planter des thématiques fortes (lutte des classes, enjeux politiques derrière la purge, détails qui la rendent crédibles (banques vidées, barricades plus ou moins efficaces, et ses étranges balets de camions chargés de militaires surprotégés s’attaquant à des immeubles entiers), en bref tout ce qu’il fallait pour faire décoller le film et l’élever à un rang de brûlot politique, malgré sa ratification -12 ans (autant dire que le gore du premier épisode est considérablement affadi). Mais comment retenir sa rage de voir tout ce potentiel gâché par un film qui finit par s’embrigader dans un des aspects les plus caricaturaux de la situation créée par la purge, et surtout, pour notre plus grand malheur, d’en prendre un parti démagogique au possible. Peu à peu, malgré les multiples digressions à base de suspense et d’action, le chemin qui se trace est aussi clair qu’atterrant : la purge, c’est le moyen pour les riches de tuer les pauvres. A croire que le 1% n’ait pas déjà assez de phagocyter les richesses du monde qu’ils doivent en plus soulager leur psychopathie latente (l’argent corrompt et vous transforme en requin sanguinaire) en trucidant des pauvres (pour de l’argent, du coup). Oh, certes, il y a quelques petits personnages qui montrent les tiraillements intérieurs dans les classes (le voisin lubrique, les petits gangs rabattant le gibier pour le livrer sur un plateau d’argent aux richards), mais c’est bien à cette réduction des enjeux que le film se livre. Pire même, il se range du côté des pauvres, sous le commandement d’un négroïde à lunettes absolument imblairable, qui enchaîne conneries sur conneries dans ses spots publicitaires (je le voyais dès l’introduction comme un agitateur tentant de plaquer sur la Purge ses propres idées politiques (un des risques sur internet quand on se calque sur des sources alternatives d’informations sans les remettre en question) histoire de former une mini armée ayant pour but de trucider les riches pour s’approprier leurs richesses, c’est dire ma rage en me voyant obligé d’adhérer à sa cause). Tout, dans la conclusion, confine au pathétique, rabaissant les ambitions à un duel presque indigne d’un Elysium, dont la plus grande connerie consiste à manifester contre la purge… en purgeant les riches. L’épilogue a beau essayer de relancer un message social fédérateur au premier degré (qui peut donc facilement passer pour un cliché agaçant), la dernière révélation qu’elle nous fait explose à nouveau les quotas de connerie politique, à savoir que c’est le gouvernement qui purge les indésirables, essentiellement dans les logements sociaux, histoire de maintenir les quotas. Mais tout ceci est aberrant. Si le film faisait le moindre effort pour rendre ses idées crédibles (en prenant ces éliminations visées sur des critères de dépendance aux allocations, sur les hôpitaux… là, on aurait des éléments terrifiants retournant la bureaucratie contre ses usagers (un sujet excellent pouvant parler du patriot act de façon déguisée), on pourrait adhérer à une révélation nazie de cette taille, mais là, c’est juste impossible. Tout comme il est aberrant de croire que le gouvernement enverrait ses propres agents faire le boulot (les compagnies privées qui sous-traitent, c’est quand même plus discret…). A force de raccourcis et de simplifications, American nightmare 2 s’enfonce dans la connerie et accouche finalement d’un simple film bis. Certes, le suspense fonctionne gentiment pendant quelques scènes et les parcours en ville procurent leur taux d’adrénaline. Mais les grosses couilles reviennent régulièrement (le héros surarmé aide les autres personnages parce que, il continue à les protéger après le tour de cochon qu’on lui a fait, les snipers sur le toit ne tirent pas un seul coup, la fille nous casse régulièrement les couilles avec ses revendications politiques communistes), et quand arrive la scène du music hall, où les riches tout sourire font monter les enchères pour se payer une chasse au pauvre en mode laser game version purge, c’est plus possible. Les espoirs s’effondrent, les maigres restes (luttes internes, individualisme d’autant plus fort qu’il s’agit de survie, sous texte politique…) s’envolent et seul la merde semble s’être incrusté. Reste les scènes urbaines, au suspense parfois efficace. C’est d’autant plus glaçant quand nos personnages passent devant le cadavre d’un trader mis en pièces devant sa maison, à peine gratifié d’un « il l’avait sans doute mérité ».

2014
de James DeMonaco
avec Frank Grillo, Carmen Ejogo

1/6

Suite à beaucoup de discussions, de plaisanteries vulgaires et d’interrogations personnelles, voici que vient le temps d’une réévaluation de Jimmy ScreamerClauz et de son œuvre. Il apparaît en effet qu’une fois la baffe digérée, Jimmy ne soit pas aussi glauque que ça, ou plutôt que son glauque n’a pas beaucoup d’emprise, pour peu qu’on ait un minimum de culture dans le malsain et le déviant. Histoire d’appuyer mon propos, j’ai revu le dvd de Where the dead go to die avec les commentaires audios de Jimmy, et c’est finalement assez amusant de l’entendre délirer sur sa création, puisqu’il y avoue, sur le ton de la farce, n’avoir jamais tenté d’y délivrer une œuvre construite. Chacun de ses segments a été réalisé indépendamment de l’autre, seul l’ordre chronologique de parution justifie la redondance de certains éléments. Il apparaît surtout que malgré son ton résolument sérieux, Where the dead go to die est un condensé d’humour trash typique de son auteur, qui mixe un globi-boulga de références personnelles (extra terrestres, symboles sataniques, mais aussi Lassie avec le désormais culte Labby (sodomise moi sur un cadavre putrescent)), en souhaitant faire régulièrement des orgies de mauvais goût qui le font régulièrement partir en fou-rire. Curieusement, Where the dead semble finalement être une comédie ratée, où la déconnection de son auteur a créé les passages les plus traumatisants de son œuvre (enfin, à l’époque, Jimmy a depuis fait bien pire dans ses clips, qui surpassent en violence l’ensemble de Where the dead). A cet autisme se rajoute une fièvre créatrice folle alliée à une paradoxale réduction de ses thématiques. Quoiqu’il entame, on sait déjà qu’on retournera à des visions organiques entremêlant insectes, vagins, fœtus avortés, asticots et saillies brutales, avec des combinaisons plus ou moins difformes d’animaux et d’humains. Mais malgré cette réduction, chaque vision de Jimmy parvient à trouver de nouveaux monstres, de nouveaux cauchemars, dont l’agressivité excessive heurte toujours puissamment le spectateur.

Jimmy reconnaît être un artiste médiocre. Il admet être nul en dessin, et être une vraie bille en modélisation 3D, ce qui explique les graphismes hideux de ses œuvres. Mais parce qu’il doit se vider la tête pour continuer à vivre, il accouche œuvre sur œuvre, en les avortant parfois sans se retourner car d’autres sont déjà en cours de maturation. Jimmy est polymorphe, il fait de la musique speedcore absolument abjecte, de la peinture, du coloriage mêlant crayon de couleur et extraits de magazines porno, et au cours de where the dead, on voit clairement l’évolution de ses techniques. Ce foisonnement donne au moins à Jimmy la carrure d’un artiste. Il n’obtient pas de résultat dépassant le stade du brouillon, mais il n’a pas la patience d’attendre deux ans pour faire un film. Tout doit sortir, au plus vite. On tient un artiste esclave de sa création, qui à défaut de lui rendre justice, produira avec foisonnement jusqu’à la fin. En cela, il mérite peut être une reconnaissance, après bien sûr son titre d’artiste le plus choquant d’Amérique.

Toutefois, la troisième partie de Where the dead a tendance à me hanter. Pour une raison assez simple, son protagoniste principal. Contrairement aux deux premières histoires qui n’installaient aucun lien sentimental susceptible de provoquer la sympathie du spectateur, la troisième met en scène un authentique freak, dans un quotidien glauque. La déformation physique (hommage revendiqué à Basket case) et le climat familial qu’il traverse sont insupportables et ont tendance à provoquer une immédiate compassion. Et ce rapprochement se trouve davantage renforcé quand commence cette amitié avec sa voisine, de son âge. Mais Jimmy ne tient pas compte de l’affection du spectateur, et salit volontairement et copieusement ce qui s’est installé avec l’introduction de pornographie infantile, incluant peu à peu la participation active de notre protagoniste dont on se sentait si proche. Si Jimmy est sans limite, il n’a pas non plus de respect pour ses créations et pour avoir une démarche construite. Il se fout des attentes, celle qu’il crée sont accidentelles, et chaque personnage génère un chaos, plus ou moins perturbant selon les tabous qu’il agresse. Toutefois, si le statut de personnage en 3D permettait juridiquement de laisser passer les visions dérangées de son auteur, la pornographie infantile qui m’avait révulsée n’est pas directe (la suggestion n’a en revanche aucune ambiguité, on sait parfaitement ce qu’on est en train de voir), preuve quand même que la 3D a quelques limites question juridiction.