Depuis que Nolan a réalisé sa trilogie sur le Batman et refondu le mythe pour des thèmes plus actuels, tout le monde semble s’être aligné sur ce nouveau standard. Les irréductibles de sont réfugiés dans les jeux vidéos (les excellents Arkham Asylum et Arkham City)… ou les DTV avec The Dark Knight returns. Ce dernier, réalisé en deux parties, possède l’excellent avantage d’allier à la fois l’esprit badass du héros et de son univers (méchants icôniques) et des idées politiquement très engagées qui tendent à faire jubiler le spectateur, qui peut alors prendre avec distance ce film osant parodier la réalité et certains de ses travers. Une véritable surprise dans son genre.

The dark knight returns, part 1 : Cette première tentative marque un coup d’essai réussi, malgré une vision très « cobra » de la justice (mais sans la peine de mort généralisée à tous ces criminels qui sentent mauvais et qui sont laids comme des communistes). Mais ce manichéisme est assez propre à l’esprit de Bruce Wayne, d’ailleurs montré ici comme ayant des tendances schizophréniques. Question histoire, 10 ans après la dernière apparition de Batman et à 1 mois de la retraite du commissaire Gordon, un vaste gang met Gotham à feu et à sang. Les flashs infos relaient leurs méfaits avec moults détails gores (meurtres d’enfants, tueries gratuites…), la police est dépassée, bref, le batman revient parce qu’il fait mauvais temps, et parce que la criminalité a changé. Aussi faut-il prévenir qu’on tient là un des animés les plus violents mettant en scène un héros aussi populaire. The dark knight returns a des airs de Robocop, à la fois par sa violence (du sang gicle quand les balles fusent) et par sa lecture intelligente de l’actualité. Traitant frontalement les dérives psychologiques (un double face complètement atteint) et dénonçant avec violence les psychiatres défendant les criminels en en faisant des victimes, le récit se teinte d’une sacré noirceur quand il s’agit de faire intervenir les figures connues des ennemis de la chauve souris, et n’a de cesse de faire progresser les enjeux, en se focalisant finalement sur la menace des Mutants, menés par un chef de gang dégénéré qui n’a rien à envier à Bane. C’est d’ailleurs au cours des affrontements contre cet adversaire que le film se révèle d’une violence sèche, Batman se faisant tout simplement démolir la gueule à coup de pieds de biche. Dans le genre maltraitance d’icône, y a du sang qui coule. On rajoute le personnage de Robin, adolescente dégoûtée par sa génération de branleurs d’étudiants, et on obtient une équipe motivée.  Et par-dessus cela, une nouvelle couche de politique s’ajoute. Le maire, dans un vent de démagogie, commence à vouloir négocier avec les criminels, les politiques perdent leurs couilles alors que les Mutants se répandent en ville, jusqu’à ce que Batman se décide à combattre à nouveau le chef des mutants dans un combat à mains nues, histoire de bien démoraliser le gang. The dark knight returns a cette idée en tête : l’humanité est constituée de beaucoup de suiveurs, et c’est finalement au leader d’incarner l’exemple et la ligne de conduite. Le film ayant l’intelligence de cerner les points sociétaux relatifs à l’existence de Batman et à les exposer clairement, le spectateur est parfaitement en état de prendre de la distance et de réfléchir de son côté, histoire de profiter pleinement de cet épisode, un peu plus riche qu’un Batman contre le fantôme masqué. Une œuvre intense, mais qui déplaira aux opinions de gauche (quand un interviewé dit « On devrait défendre les droits des criminels, ces gens sont victimes du cadre dans lequel ils vivent, et méritent d’être réinsérés avec notre aide… hein ?... Ah non, je ne suis pas de cette ville ! », on sait qu’on a pas affaire à de la langue de bois).

4,5/6

2012
de Jay Oliva
avec Ariel Winter, Peter Weller

The dark knight returns, part 2 : On tient clairement ici le meilleur opus des deux, sur tous les plans. Pour les fans de Batman, rarement le héros aura été aussi charismatique et vecteur d’une volonté citoyenne de cette trempe. L’arrivée du Joker (qui ridiculise sur tous les plans le petit histrion fabriqué par Nolan) comblera tout le monde, et l’arrivée d’un atout de très gros calibre, avec des réflexions sur les mythes du super héros et du vigilante, feront tout simplement jouir les partisans du justicier de l’ombre. D’un point de vue mythe, ce film est une aubaine inespérée, qui tire les personnages à de bien plus ambitieuses intentions que son prédécesseur. Inutile de dire que ce film n’est toujours pas à destination des enfants, au vu de sa violence (Batman se fait littéralement éventrer par le Joker) et de son intelligence. Car pour ceux qui seraient moins fascinés par les costumes (j’adore celui de Bruno, sorte de blonde pulpeuse poitrine découverte avec des croix gammées cachant ses mamelons, très calquée sur les manifestantes du Femen), la portée politique de son prédécesseur est tout simplement décuplée ici. Poursuivant son travail de ridiculisation du corps psychologique camouflant son incompétence derrière un jargon technique, lançant sans cesse la polémique sur la violence du vigilante masqué, décryptant avec limpidité le déroulement d’un conflit entre américains et soviétiques (le film en profite pour dézinguer l’armée américaine avec autant de férocité qu’un Starship Trooper ou un Watchmen) en faisant passer le président Ronald Reagan pour un enfoiré notoire, le film va de jubilation en jubilation, ne se contenant jamais et osant le politiquement incorrect avec une intensité frontale qui balaie avec énergie n’importe lequel des opus de Nolan. Il est impossible pour le spectateur de retenir une telle joie, devant une telle intensité, un tel aboutissement d’une saga aussi courte que définitive. Et c’est probablement sur le terrain social que ce Batman est le plus fédérateur. Abandonnant l’idée d’un patriotisme ringard pour celui d’aide à la collectivité locale, le film ose le virement sur le genre « catastrophe » en exposant Gotham aux effets collatéraux d’une explosion atomique, et en suivant les mouvements sociaux. Cernant avec une justesse manichéenne les citoyens s’entredéchirant pour leur survie (les pillages alors que les ressources sont coupées, le climat de peur de guerre nucléaire) et les criminels notoires reprenant leurs activités (le crime ne rapproche pas, contrairement à l’entraide), Batman sort tout simplement ses couilles pour ramener de l’ordre avec les gangs, redonnant de la volonté au peuple pour survivre et restaurer l’ordre gravement touché. Un message bourrin, mais fédérateur, et surtout d’une sincérité plutôt touchante au vu de l’individualisme et du matérialisme exposé en société. Surprenant à bien des niveaux, et culminant dans un dernier affrontement aussi attendu de jubilatoire, The dark knight returns est une bombe atomique, une véritable surprise, qui compense son animation un peu carrée et fonctionnelle par une richesse thématique éblouissante, doublé d’une noirceur frappante (Celina Kyle, devenue une alcoolique boudinée et dépressive, et un joker tuant des dizaines de personnes). Bon sang, pas été aussi enthousiaste pour un animé depuis l’épisode 0 d’Ichi the killer.

5/6

2013
de Jay Oliva
avec Peter Weller, Ariel Winte

Avec Aramaki, on sait un peu à quoi s'attendre. Ayant enchaîné les productions animées japonaises en poussant toujours plus loin son perfectionnement technique (on lui doit la série des Appleseed, qui marque déjà son appauvrissement scénaristique du premier au second volet), il a récemment accouché du revival inattendu Starship Troopers Invasion, en trahissant l'esprit de la saga originale pour livrer un space opéra aux morceaux de bravoures dantesques, reliés par un scénario proche du ridicule. On pouvait donc avoir quelques craintes. Mais Albator, c'est un esprit ! Il doit y avoir encore des fans dispersés dans le monde, des gens pour y croire, et pour faire gaffe à ce que le film ne se chie pas... Résultat des courses : dans la tendance.

L'histoire : après avoir épuisé les ressources potentielles de l'univers, 500 milliards d'êtres humains tentent de revenir sur Terre. Cette situation crée une guerre interminable, jusqu'à ce qu'un force armée nommée GAIA s'approprie la planète et en interdise l'accès à quiconque. Après une éprouvante bataille pour la reconquérir, un pirate de l'espace nommé Albator fait son apparition et jure d'entraîner la chute de GAIA...

Ah que c'est bon d'être un pirate de l'espace ! Autant dire que l'esprit d'Albator, flibustier du firmament, a de quoi séduire le spectateur et nous rappeler nos rêves d'abordages à l'ampleur de cargo spatiaux entiers ! Je le précise tout de suite : je ne connais rien du matériau original, ni ne me suis documenté sur le sujet. En temps que tel, ce film est une véritable révolution technique. C'est, avec Les Chroniques de Riddick, le seul à faire prendre corps à un univers pareil, et ici, l'ampleur des effets spéciaux le place largement au dessus de son concurrent d'un point de vue technique. Eblouissant d'un bout à l'autre, chaque séquence spatiale se révèle être un bonheur pour la rétine, et forcé l'on est de constater que la 3D a été pensée en conséquence. On n'a pas vu de guerre spatiale plus impressionnantes depuis le 3ème épisode de Star Wars. De quoi se gaver la rétine jusqu'à plus soif. En soit, le film n'a pas volé l'appréciation de Cameron. Il l'endosse d'ailleurs avec une gênante facilité, car les défauts qu'un tel juge implique sont aussi présents. Encore davantage que Gravity, Albator est un gouffre scénaristique bourré de problèmes qui agace régulièrement le spectateur un temps soit peu exigent. L'adage voulant que l'accomplissement technique passe par un renoncement total d'ambitions de cohérence est hélas confirmé par Albator, au delà même du divertissement.

Dans l'optique de suivre l'histoire d'un corsaire de l'espace, on voulait deux choses : un esprit de piraterie et des scènes d'action dantesques avec de l'abordage. C'est tout ! Pour l'esprit pirate, ça commence bien dans les 10 premières minutes (le coup de la planche, où les pirates laissent les candidats dire un mot pour appuyer leur demande, et où les honneurs et l'argent se font exécuter. Et que répond notre héros ? La liberté ! Et on le sauve pour une connerie pareille) et ça retombe comme un soufflet aussi sec. La liberté, mais quelle connerie dans un pareil contexte ! Fallait répondre "le capitaine !" et là on était bon, mais non. Et après une éblouissante scène d'abordage de vaisseau ennemi (conclue en 3 minutes une fois l'attaque finie), on lance le scénario : on dépose des bombes à neutrons dans différents points de l'univers pour faire bugguer le temps et revenir en arrière... Hu ? Mais c'est quoi ce plan de merde ? Bon, allez, pas grave ! Au moins on va voyager dans l'univers. Une séquence nichon numérique et fesse numérique, check ! Une blonde avec armure bonnet D qui porte des combinaisons spatiales moulant son string plus tard, l'histoire n'a pas beaucoup avancée. Et alors que la bataille finale s'annonce, les failles apparaissent. L'incapacité totale du scénario à insuffler la moindre émotion quelque soit le personnage en question (le passé d'Albator... miné par la bêtise de ses décisions et l'absence totale de spontanéité de ses réactions, le héros girouette qui ne semble pas avoir la moindre conviction et qui change sans arrêt d'avis), la lourdeur des symboles (bon sang, cette fleur à la con...), les incohérences multiples (les gardes de GAIA voient un garde qui va droit vers les cellules des prisonniers sans répondre à leurs injonctions et se disent juste qu'il est bizarre), le film prend le vide de toutes parts, et jamais ne semble vouloir changer son cap. En fait, il y a tellement d'incohérences (le flash back donnant des infos sur le héros et sa famille, d'une débilité sans fond (des ampoules qui explosent tout un building...)) qu'à moins de renoncer à réfléchir, le film décevra continuellement. Jusqu'au final d'une connerie abyssale, emmerdant la logique jusqu'au bout pour tenter d'emporter le morceau sur le tard avec un esprit pirate mort il y a plus d'une heure déjà. Au vu de la perfection technique de l'ensemble, le résultat n'en est que plus frustrant, et le bilan si désespérément évident, qu'Albator déçoit les maigres attentes qu'on avait placé en lui. Merde, Aramaki, quand vas-tu enfin t'acheter un scénariste compétent ?

1,7/6

2013
de Shinji Aramaki
avec Shun Oguri, Haruma Miura

Innovation de taille aujourd’hui, puisque je m’attaque à un nouveau type de chroniques : celui des séries. Je ne compte pas en faire une habitude, pour diverses raisons d’ailleurs (principalement en fait que je n’ai pas les ressources techniques nécessaires pour m’en abreuver en streaming). Mais si ce blog peut mettre en valeur quelques produits du passé oubliés, pourquoi s’en priver ? Bénéficiaire de l’exception : Elfen Lied, un animé gore japonais.

L’histoire : Echappée d’un laboratoire après avoir fait un véritable carnage dans les membres du personnel, une jeune femme dotée de pouvoirs télékinésiques (enfin, pas vraiment, mais l’effet est le même) perd la mémoire et est prise en charge par deux étudiants dans une ville voisine.

Après une révision complète de cette courte saga (13 épisodes, 25 minutes chacun), je ne peux que réaffirmer tout l’attachement que j’éprouve pour cette objet curieux et définitivement sincère. Ce n’est pas tant pour la facture technique (très conventionnelle, les dessins sont très japonais sans bénéficier d’un plus grand soin qu’un autre animé classique) ni pour le gore (plutôt anecdotique, mais toujours dramatisé, qu’il soit cathartique ou monstrueux), mais pour la richesse des sentiments qu’il véhicule. On le constate toujours dans des productions comme Starship Troopers Invasion ou dans les Ghost in the shell, les japonais n’arrivent pas à faire dans la nuance de portrait. Chaque personnage se doit habituellement d’avoir un trait de caractère particulier et d’y aller à fond dedans. Or ici, pour une série répertoriée comme gore, les personnages sont un peu plus ambigus, et surtout, ils sont gérés de manière à faire exploser leur potentiel sentimental. C’est un des rares animés où la sensibilité du spectateur est aussi proche de celle des protagonistes. Souvent, cet animé a recours au mélo, parce que quelques larmes faciles, ça ne fait pas de mal. C’est d’ailleurs dans les phases mélo que les scénaristes rajoutent souvent beaucoup de cruauté, histoire de rendre encore plus pénible le sort des personnages. Car comme souvent, les personnages ont un lourd passé qui va nous être copieusement étalé. Il y a Kouta, jeune étudiant, dont la petite sœur est morte il y a longtemps, Yuka, sa cousine ayant des souvenirs du drame, Lucy/Nyu notre mutante à double personnalité meurtrière, et bientôt se rajoutent Nana, une seconde mutante qui malgré son lourd passé semble être la gentillesse incarnée, et enfin Mayu, jeune clocharde ayant fui son beau père pédophile. C’est notamment avec ce dernier personnage que le mélo ira le plus loin, culminant dans l’épisode 5 avec la surenchère de malheurs qui lui arrivent dans la figure. Pourtant, si le film se révèle presque complaisant dans l’exposition de la souffrance de ses personnages (ça sera encore plus évident avec l’enfance de Lucy, mais nous y reviendrons), il reste toujours cramponné à leur point de vue et à leurs espoirs. Aussi, les secondes chances qui leur sont offertes irradient d’une chaleur humaine sincère, vivifiante, grisante à en faire monter les larmes aux yeux (la seconde moitié de l’épisode 5 justement). Elfen Lied exploite les glandes lacrymales  du spectateur à la fois de la bonne et de la « mauvaise » façon, et peu lui importe du moment qu’on chiale. C’est d’ailleurs là qu’on peut juger de la « complaisance » de l’animé en question, qui n’hésite pas à virer sur du manichéisme primaire. C’est notamment le cas avec les personnages des mutants. Dotés de cornes directement fixées sur l’os crânien, ils semblent tous utiliser leurs pouvoirs pour occire les humains avec qui ils sont en contact (le carnage de l’épisode 1 est d’ailleurs une merveille dans le genre, une parfaite entrée en matière). Et c’est donc là que le discours du film sur les freaks prend toute son ampleur, puisqu’en gros, les humains commencent toujours par discriminer les monstres (méchants humains qui n’arrivent pas à supporter des cornes trop kikoo lol !), et à être cruels avec eux. Si le passé de Nana est surréaliste à ce sujet (torturée depuis sa naissance, élevée en laboratoire et conditionnée pour être complètement soumise aux volontés des scientifiques, vraiment, c’est le personnage le plus pathétique et l’un des plus attachants du film dans sa manière ingénue de supporter une telle situation), celui de Lucy est volontairement pessimiste, réutilisant dans l’épisode 8 un mélo agaçant, intelligemment combiné à une dose monstrueuse de cruauté (la mise à mort d’un chiot, et la présence d’un traître encore plus dérangeante par les débuts de relation d’amitié entre Lucy et lui, débouchant sur un massacre d’enfant couillu). Il est aussi bon de noter que l’animé joue intelligemment sur quelques noirs sentiments humains (comme la courte réflexion sur la nécessité de toujours connaître quelqu’un de plus malheureux que soit pour se soulager la conscience, quitte à le maintenir dans le malheur pour stabiliser la situation). L’épisode 9 semble incontestablement le meilleur de la saga, le plus intense sentimentalement en tout cas. Mettant en scène la liaison d’une Lucy tueuse en masse (décimant des familles entières pour se réfugier dans leur maison et s’y nourrir) et d’un Kouta encore enfant, c’est le point de la narration où l’empathie pour les personnages culmine, où leurs sentiments semblent les plus forts. C’est aussi l’un des plus émouvants dans le bon sens du terme, puisqu’à la moitié de sa durée, il annonce la fin imminente, programmée de cette relation fusionnelle entre enfants (dernière journée avant un départ de fin de vacances). En mettant en scène leur dernière journée de la meilleure des manières, il joue toujours cruellement sur la mélancolie du temps qui passe et sur la séparation de plus en plus proche, imminente. Incontestablement le plus intense, jusque dans son dénouement dramatique, où le gore prend là encore une étoffe déchirante (quoi qu’il faudra attendre l’épisode 11 pour avoir le dénouement complet). Que ce soit dans le mélodrame, la cruauté ou dans une authentique joie de vivre, Elfen Lied donne toujours la part belle aux sentiments de ses protagonistes, et la sincérité de sa démarche finit par l’emporter sur les artifices qu’il a tendance à utiliser à grande mesure. Quelques petits temps morts ça et là, mais vu la courte durée de chaque épisode, on va régulièrement à l’essentiel. Dernier petit clin d’œil aux hommes de bon goût, Elfen Lied n’étant définitivement pas un animé pour enfant (vu la violence, un – 12 ans, limite 16), il fait ça et là de petites allusions au style Hentaï, sans conséquences toutefois puisque l'humour vient toujours désamorcer les situations (comme la séquence où Nyu, incapable de parler et à la mentalité infantile, se laisse changer de tenue par Kouta sans la moindre pudeur… avant une arrivée de Yuka plutôt au mauvais moment). Bref, évitant les enjeux abrutissants pour se focaliser sur les reconstructions des personnages et leurs émotions profondes, Elfen Lied est une curiosité indispensable, ne serait-ce que pour la radicalité de sa démarche. Eblouissante et plutôt courte, c’est une révélation de mon parcours cinéphile.

5/6

2004
de Lynn Okamoto