Quatrième film de Terrance Malick (qui s'était éclipsé un certain temps), La ligne rouge retrace les débuts de la guerre du Pacifique avec l’attaque de Guadalcanal, île du Pacifique tenue par les japonais. L’occasion pour le réalisateur d’imposer gentiment son style en le diluant dans des scènes de guerre réalistes, parfaite introduction pour ce poète catho qui mélange les genres avec une douceur rare, loin de tout bourrinage inutile.

L’histoire : Le parcours de différents soldats recrutés dans l’armée américaine qui vont participer au débarquement sur Guadalcanal.

Très grand film de guerre que cette ligne rouge, puisque dès le départ, en plus de nous offrir des portraits de personnages touchants et des réflexions philosophiques pertinentes (la très belle introduction s’interrogeant sur l’agressivité de la Nature, des différentes espèces, parfait point de départ pour déboucher sur la guerre), il nous montre immédiatement qu’il a réunit un casting d’exception. Caviezel, Penn, Clooney, Harrelson, Travolta, Leto… Des tas de trognes connues que nous allons accompagner au front, et dont le destin sera parfois tragique. Chacun maîtrisant à la perfection sont personnage, l’identification à différents caractères se fait facilement, chacun pouvant trouver dans les caractères qui lui sont présenté des pensées dans lesquelles il peut se reconnaître (l’effet sera encore plus frappant avec The Tree of life, mais aussi plus ciblé). Penn a la carrure de l’officier désillusionné, terre à terre qui ressent l’humanité qui l’entoure sans pouvoir l’exprimer de son côté (il ne laisse entrevoir qu’une façade abrupte, guidée par l’instinct de survie et l’expérience du terrain), Caviezel est plutôt l’enfant de la nature, désertant plusieurs fois l’armée pour passer quelques temps avec les insulaires des environs, dont il partage le quotidien avec une joie de vivre communicative (et pourtant, si il a du mal à comprendre la guerre, il y prend part avec le sourire, tentant d’aider ses camarades (ça doit transparaître, mais autant l’écrire : il est le personnage auquel je m’identifie ici). Au fur et à mesure que les personnages défilent, le film développe ses thématiques, ne cherchant visiblement pas à pourrir l’armée (les portraits des officiers sont régulièrement touchants,  la discipline est parfois injuste, les enjeux sont lourds (le général décide de sacrifier ses hommes dans une attaque de front pour impressionner l’état major qui surveille la manœuvre) et l’incertitude ronge le moral des hommes (touchante scène de prière du capitaine qui espère pouvoir faire les bons choix pendant la bataille, puis qui décide de désobéir aux ordres pour épargner ses soldats). Long (2h47), le film se permet régulièrement de faire des pauses entre les différentes manœuvres militaires, essentiellement pour laisser aux hommes le temps d’exprimer ce qu’ils ressentent et de s’interroger sur leur parcours. Toujours avec une pudeur et une déférence qui font plaisir (aucun plan dénudé pour la romance entre un dégradé et sa femme), le classicisme de la mise en scène flattant l’œil et nous guidant dans la douceur vers les réflexions qu’il tente de mettre en place. Rarement un film aura été aussi doux avec son audience (à l’exception des combats qui distillent une peur certaine, tout est posé), preuve de sa volonté d’imposer un style réflexif, poétique. D’autant plus subtil que si le côté catho ressort par moments (on sent qu’il y a quelque chose derrière la Nature, les hommes prient parfois en voix off…), il sert surtout à planter les angoisses ou les interrogations des recrues qui avancent dans la jungle. Tourné dans des décors naturels superbes et plantant des personnalités charismatiques, La ligne Rouge se révèle être un OFNI du film de guerre, dont on sent immédiatement l’importance dans le monde du septième art (rare sont les films à avoir atteint cette profondeur). Tout simplement indispensable.

5.5/6

1998
de Terrence Malick
avec Sean Penn, Jim Caviezel

Avec K 19, on touche à un film de guerre très intéressant puisqu’il ne donne pas dans les combats ou les affrontements directs entre sous marins comme avait pu le faire A la poursuite d’Octobre rouge. On est dans une lutte entre l’homme et la machine, dans un dilemme constant et atroce, dont les enjeux dépassent clairement tous les hommes que nous serons amené à côtoyer. Aussi, vu la quantité de talents qui sont rassemblés, n’est-il pas bizarre de penser que nous tenons là un des meilleurs films de guerre des années 2000.

L’histoire : En 1961, le K 19 est le nouveau né de la flotte sous marine soviétique. Un instrument de dissuasion nucléaire de premier plan. Afin d’user le plus rapidement possible de son pouvoir dissuasif, le Kremlin décide de le mettre en mer en ignorant les multiples avaries dont souffre le vaisseau encore en construction.

On tient ici un excellent travail travail d’équipe. Si aucun acteur n’y trouve ici son meilleur rôle (même si Peter Sarsgaard  trouve ici une de ses meilleures performances), on tient là un film qui a très bien saisi tous les enjeux de la guerre froide, et qui a l’intelligence de se focaliser sur un fait historique russe et de nous changer de la vision américaine traditionnelle. Ici, il s’agit de faire figure d’instrument de frappe nucléaire de premier plan. Tout en cernant les problèmes de gestion d’équipage (on pointe un manque d’expérience ou d’écoute chez certains membres d’équipage) et les prédispositions de la crise avenir (les fréquentes avaries). La première moitié du film se concentre sur la mise à l’eau du sous marin (le patriotisme russe est servi sans complaisance, il fait clairement office de contexte) et son premier exercice, mené à toute allure par un Harrison Ford à l’exigence insatiable (il pousse littéralement l’équipage à bout en lançant sans arrêt des exercices). En tant que chef des hommes, Liam Neeson est clairement celui qui a le plus de charisme, nuançant les paroles du capitaine et appelant l’équipage à obéir. Il est l’incarnation même du sens du devoir dans l’armée, parvenant à canaliser l’énergie de ses hommes et les décisions du capitaine (même si parfois il frôle l’insubordination, dommage de ces excès aient tendance à apparaître car rompant avec les rapports habituels). Ainsi, pendant la crise le passage où il rappelle au capitaine son devoir avec l’équipage n’entre pas en contradiction comme on pouvait le croire avec la condamnation de la mutinerie contre le capitaine. Il y a toujours un respect pour la hiérarchie même si il faut gueuler plus fort pour se faire entendre. Cette intégrité, très militaire et cohérente (elle évite le mouvement de panique inhérent à ce genre d’évènement) s’écarte beaucoup des portraits négatifs de l’armée, et tend à rejoindre la voie du devoir pour laquelle on sent ici un certain respect. La situation est pour ainsi dire catastrophique au milieu du film. En touchant à une hantise héritée d’Hiroshima et plus récemment de Fukushima, le film met immédiatement une pression extrême sur les épaules de nos personnages. D’un côté un équipage inquiet et en danger, de l’autre la possibilité d’un accident nucléaire pouvant passer pour une déclaration de guerre. Dans ce contexte, où seul les officiers possèdent les bonnes informations et mentent à l’équipage pour les préserver de la panique (les mensonges sont cruels avec les irradiés), c’est Vadim Radtchenko (Peter Sarsgaard) qui devient le personnage le plus intéressant. Il joue ici le rôle de l’ingénieur responsable du réacteur nucléaire, le seul qui soit en mesure de donner des informations sur la gravité de la situation. C’est aussi celui chez qui va naître un sens du devoir incroyable. Il est le seul qui soit au courant des risques concernant les radiations. Aussi, qui pourrait le blâmer quand il constate l’étendue des dégâts sur les membres d’équipage envoyés pour réparer le réacteur et qu’il se retrouve paralysé par la peur ? Et pendant toute la suite du film, passant du temps auprès des irradiés et méditant sur sa peur, il prépare son sacrifice. L’échange d’une croix pendant cette transformation pourrait passer pour un anachronisme (les religions étant mal vues par le Parti), mais la religion catho étant celle qui prône le plus fortement le sacrifice, on y voit un catalyseur moral finalement adapté et parfaitement efficace. Ainsi, c’est un sacrifice complet, en connaissance de cause et sans espoir de gloire (mis à part l’équipage, l’affaire étant étouffée, l’ingénieur mourra dans la souffrance et dans l’anonymat), marque d’un courage poignant et rare pour qui le film témoigne d’un profond respect (la douleur et les séquelles de l’acte semblent tout simplement insupportables). Soignant parfaitement sa reconstitution d’époque, jouant très bien sur le climat d’une vie d’équipage et sur la peur viscérale des radiations, K 19 est un hymne engagé sur le devoir, qui formule d'un côté un jugement sec du Parti communiste (le commandement fait la sourde oreille sur d’évidents problèmes techniques, il nomme des débutants à des postes clefs…), et de l'autre respecte ses hommes et leur rend hommage avec un profond respect. Un petit chef d’œuvre en somme.

5/6

2002
de Kathryn Bigelow
avec Harrison Ford, Liam Neeson

On retourne à la guerre avec Apocalypse now, réalisé par Francis Ford Coppola et qui demeure chez pas mal de cinéphile l’expérience la plus traumatisante de la guerre du Viet Nam, pour la folie complète qui gagne la pellicule au fur et à mesure que le bateau remonte le fleuve et que nous nous rapprochons avec Willard du commandant Kurtz, ultime étape du voyage. L’air de la chambre est étouffant, l’alcool manque, le ventilateur bourdonne, Willard se ramollit, le film commence depuis 5 minutes que la folie commence déjà à s’installer.

L’histoire : le lieutenant Willard se voit confier une mission d’assassinat où il doit mettre un terme au commandement du colonel Kurtz, un brillant militaire dont les méthodes sont maintenant jugées malsaines par la hierarchie. Accusé de meurtre, il a passé la frontière du Viel Nam et s'est réfugié au Cambodge, où il continue d’exercer son commandement.

L’illustration de la folie commençant dès les premières minutes (avec Willard, saoul, mimant un corps à corps dans sa chambre d’hôtel qu’il saccagera), il est logique de suivre un film qui fera tout pour mettre en avant ce côté « blasé » du héros, que le Viet Nam a déjà en partie brisé (il ne sent chez lui ni au Viet Nam, ni pendant son unique perm en Amérique) et qui semble souvent dans un état second. D’ailleurs, la remise de sa mission, respectant une mise en scène classique pour un film de guerre, se fait en quelque sorte en sourdine, notre héros voyant ses supérieurs parler, mais semblant déconnecté de ce présent finalement résumé à l’hallucinante mission qu’on lui demande : tuer un militaire accusé de meurtre en pleine guerre du Viet Nam. Et continuellement pendant le film, la folie va peu à peu gagner la totalité de l’histoire. On commence avec des bleus, avec des américains triomphants qui effectuent régulièrement des raids sur les côtes avec des hélicos surarmés et des recrues motivées. La folie se note ici surtout par des détails, des éléments facilement identifiables qui provoquent d’énormes décalages avec la situation que nous sommes en train de suivre. La chevauchée des Walkyries diffusée en pleine attaque d’un village tenu par le viet cong, la réelle motivation du chef pour l’attaque d’un des postes contrôlant l’embouchure du fleuve à remonter (les vagues de la plage permettraient de faire du surf de qualité), l’humanité semble ici feinte dans l’aide apportée aux populations civiles touchées par le conflit armé, et les barbecues du soir viennent provoquer l’effet inverse à celui recherché. C’est le premier stade de folie du conflit : cette absurdité constante dans ces conflits armés qui ne viennent jamais changer quoi que ce soit à la situation. Et à partir de ce stade de folie, nous commençons notre remontée du fleuve qui va nous emmener bien plus loin qu’on ne pouvait le penser. Le soleil tape, les hommes suent, et Willard découvre le dossier sur le commandant Kurtz qui l’obsède de plus en plus, le personnage semblant à toute épreuve dans le domaine militaire, et ayant pourtant chuté apparemment plus bas que terre. C’est lorsqu’on découvre quelle est la logique du général que l’on progresse encore un peu dans la folie, ce dernier effectuant un rapport sur les conflits armés, où ses conclusions sont de supprimer les permissions et tous les privilèges des soldats sensés « atténuer » le mal du pays et l’horreur des combats, qui ne font que pousser les recrues vers la folie. Il prône le sacrifice complet de peu d’hommes qui permettraient d’épargner énormément de bleus sur le terrain. La folie continue alors que le bateau continue de passer les check point (une soirée play mate qui tourne mal, un pont qui change de mains chaque nuit entre Viet Cong et Americains, où les soldats se jettent dans le fleuve pour tenter de s’accrocher à la coque et s’éloigner de l’enfer de fumée et de lumière que l’on voit en mode surréaliste, alourdi par une musique plutôt costaude. Toutefois, nous avons une petite halte dans notre parcours démentiel avec cette escale dans la plantation française, où nous retournons au premier stade de folie, mais sous forme de dialogue. Au cours du repas, tout le monde a développé sa vision de la guerre du Viet Nam, et chacun tente de l’imposer au cours d’un cacophonie qui finira par diviser toute l’assemblée. Un bref retour à la lucidité qui brise un peu la continuité de la folie qu’on suivait depuis le début du film, mais qui se révèle vraiment intéressant pour les personnages mis en scène et leurs opinions, qui ajoutent parfois à l’absurdité du conflit (les initiatieurs du Viet-Cong… sont les américains qui voulaient abolir les colonies à l’échelle mondiale). Puis on reprend le cours du fleuve avec son lot de feu, de fumée et de sueur, jusqu’au final qui bascule complètement dans le surréalisme avec l’omniprésence de cadavres dans tous les plans, d’autels sanglants où sont entreposées des têtes, de fidèles qui s’apparentent aussi bien aux membres d’une secte qu’à des militaires. Le récit devient alors contemplatif, irréel, alternant les silences, les instants de lucidité et les minutes de folie dans un déchaînement visuel agressif et fascinant, le temps semblant se suspendre à l’arrivée dans le camp du colonel Kurtz, qui refuse d’être jugé par ce qu’il juge une hypocrisie et un mensonge. Un vrai déluge de folie qui atteint sévèrement le mental de Willard, qui finalement exécutera sa mission machinalement, sans la moindre pensée. Il devient alors fascinant de comparer la scène finale du film, qui fait furieusement écho à la conclusion de Conan the Barbarian (John Milius étant intervenu dans l’écriture du script, on ne sera pas surpris), où notre protagoniste tue son « maître » devant la foule de ses adorateurs qui assistent à la scène sans s’attaquer au meurtrier. Un dénouement puissant, qui se clôt sur une note incroyablement pessimiste (tranchant avec Conan), le point le plus éloigné du fleuve ayant été atteint. Inutile de revenir sur les énormes problèmes de tournage du film (où pas mal de personnes ont cru devenir folles elles aussi), Apocalyspe Now est un film qui a incontestablement demandé beaucoup d’efforts à tout le monde, et qui finalement peut s’affirmer comme l’un des films de guerre les plus hallucinants avec Full Metal Jacket.

6/6

1979
de Francis Ford Coppola
avec Martin Sheen, Marlon Brando

Un seul film de guerre, sur un blog respectable, est une injustice qui ne saurait perdurer. Tellement de titres se bousculent déjà dans ma tête qu’on va commencer par d’honnêtes représentants avant de s’attaquer aux mastodontes du genre. Commençons par Guerreros, un long métrage espagnol assez intéressant, puisqu’il décide de se focaliser sur une escouade du KFOR en mission pendant la guerre du Kosovo. L’unité qu’on suit est composée d’espagnols, mais elle est appuyée par des français. Les enjeux du film sont essentiellement humains, le film se focalisant moins sur les combats que sur ses différents soldats, qui ne parlent pas tous la même langue, mais qui vont vivre un cauchemar en plein territoire ennemi.

L’histoire : Un détachement de soldats du KFOR est envoyé remettre en route une centrale électrique. Ils croisent à proximité de cette dernière des troupes rebelles serbes qui leur refusent le passage. Ils tentent de passer en force, mais la manœuvre foire et seuls quelques soldats parviennent à s’échapper.

Le film choisit d'attaquer son sujet en se concentrant sur le caractère de Vidal, jeune recrue de l'armée espagnole. Son engagement dans l'armée devait lui permettre d'aider les populations civiles, et il se retrouve à reconstruire des bâtiments avec ses camarades. On pourra juger de sa volonté dans sa tentative aveugle d'aller seul au secours d'un homme se faisant exécuter par la mafia locale. Arrive enfin la mission : remettre en marche un générateur électrique non loin de la frontière serbe, en plein milieu de la zone d'ombre (zone géographique instable militairement). La mission dégénère, et une demi douzaine de soldats se retrouvent alors en pleine nature, entourés d'ennemis et isolés de leu base de commandement. Après s'être concertés, ils décident de tenter de rejoindre la ville la plus proche. C'est alors que commence leur périple, qui va peu à peu éprouver leurs limites. Un script bateau, mais le film mise énormément sur son ambiance. Résultat : le ressentit émotionnel des soldats est parfaitement exposé, tant par les points de vue de caméra restant au plus près des recrues que par les ambiances musicales plutôt lourdes et parfaitement adaptées au sujet. Ainsi, on assiste à une régression progressive de l'état mental des soldats, qui recule à chaque nouvelle épreuve. D'abord un champ de mine, puis une capture aux portes mêmes de la ville... La peur des soldats est palpable, d'autant plus qu'ils sont dans une zone où les chances d'être secourus sont relativement faibles. Si la seconde moitié du film était un film d'escarmouche très humain, la seconde est assez étonnante, puisque l'on suit l'évasion de 4 de nos recrues, qui se mettent immédiatement en mode "survie" (la différence de langue s'estompe, laissant place à l'instinct). Et cette partie du film impressionne, tant la force de ses images a de quoi figer le spectateur. Tétanisant devient le mot adéquat, nos soldats qui le matin précédents discutaient encore de manière civilisée tuent un villageois pour des sandwichs, sont mis en fosse avec des corps... Je suis déjà allé trop loin dans le spoiler, mais la force des images parvient avec peu de choses à fasciner. Il convient de saluer à la juste valeur les interprétions fabuleuses des acteurs, qui se donnent véritablement à fond dans ce film pourtant modeste, mais qui accumule les qualités avec une honnêteté qui force le respect. Action limpide, éclairage parfait, unité de langues (espagnol, anglais, serbe... on s'y croirait)... Un gros travail d'équipe, qui paye indubitablement au vu d'un résultat aussi inespéré. Tout simplement remarquable !

5/6

2001
de Daniel Calparsoro
avec Eduardo Noriega, Jordi Vilches