La contribution de Spielberg au cinéma est indéniable. Depuis Les Dents de la mer (son premier chef d’œuvre), il a toujours marqué au box office, et si ses derniers succès ont été moins marquants que ses productions dans les années 80 (l’âge d’or de Spielby), il reste toujours une référence incontestée du septième art. Si il prépare ses successeurs (Captain américa, Super 8…), il continue néanmoins à nous produire de jolis morceaux de bravoure, comme les deux derniers qu’il nous a offert à quelques mois d’intervalle : Les aventures de Tintin et Cheval de guerre, deux visages assez différents du cinéma Spielberg, mais réussissant chacune, à sa manière, à divertir.

Les aventures de Tintin : L’adaptation était attendue au tournant, et alors que le film était au cinéma, elle a relancé toute une campagne marketting autour de tintin, des albums jusqu’aux produits dérivés (pour ma part, j’ai trouvé dans une galette des rois une effigie du professeur Tournesol). En l’état, le film se propose d’adapter plusieurs volumes, en compressant les intrigues et en évinçant du casting tous les personnages secondaires. En découle un produit hybride, qui prend de belles distances avec le matériau d’origine. Le soucis du film (et c’est revenu dans de nombreuses critiques) tient dans le fait qu’il y a trop d’action dans ce film, que l’aventure avance trop vite, se révélant par exemple beaucoup plus rythmée que Les aventuriers de l’arche perdu. A l’époque, la comparaison avec Tintin était plus évidente, en tout cas plus pertinente, le rythme favorisant davantage les explications et le contexte historique que l’action pure et dure. Dans le nouveau Tintin, les explications sont réduites au minimum, et l’action trouve ici la part belle, nous gratifiant de courses poursuites trépidantes, de plans séquences ébouriffants et de morceaux de bravoure étonnants (le capitaine Haddock tirant au bazooka…). L’univers est planté, les personnages sont là (encore que le capitaine Haddock soit ici un véritable soiffard, pire que dans la bande dessinée, malgré le passage de l’hallucination supprimé) et ont leur caractères plutôt fidèles à l’esprit de la Bande dessinée. Si le rythme bouge trop vite, impossible cependant de s’ennuyer, le résultat est tout simplement enthousiasmant, ménageant quelques arrangements de script qui permettent à l’intrigue de nous réserver encore quelques surprises, comme un duel final inattendu et frappadingue de combat entre grue de cargo. On en viendrait presque à douter du potentiel d’action de The A team ! Après, point de grand génie dans le récit, mais affranchi de conditions de tournage réelles, Spielberg s’éclate à mettre en scène des travelling d’actions qu’’il n’espérait plus nous offrir. A défaut d’un Tintin respectueux, on a un Indiana Jones dans la fleur de l’âge qui va aller en découdre pour le Sceptre d’Ottokar !

4.5/6

2011
de Steven Spielberg
avec Jamie Bell, Andy Serkis

Cheval de guerre : Spielberg l’a prouvé avec ses premiers films (La couleur Pourpre…) et son chef d’œuvre (la Liste de Schindler), le drame fait partie de son cinéma, et il sait très bien le mettre en scène. Avec Cheval de Guerre, il se propose de filmer un parcours à la fois humain et animal pendant la guerre de 14-18. Avec un casting assez hétérogène (les nationalités des acteurs sont variées, on y verra d’ailleurs quelques acteurs français) et un bel animal en dressage, voilà un film qui s’annonçait pour le moins classique. Et en effet, tout au long du film, Spielberg nous offre un film à l’ancienne, avec de magnifiques scènes de combat et quelques moments de cinéma sympathiques. Il faut comprendre par là que le film est bon, mais que les bons sentiments deviennent parfois envahissants, aussi nobles soient-ils. On commencera avec une introduction agricole, un père grincheux achetant ledit cheval pour faire la nique à son propriétaire, mais étant incapable de le dresser, il laisse à son fils le soin d’effectuer la tâche. Ainsi se tisse les liens sentimentaux entre la bête et l’homme, qui devront par la suite subir les épreuves de la guerre. Si la partie agricole tire un peu sur la corde (l’agriculteur au champ, c’est beau, c’est besogneux, mais pendant une demi-heure, ça tire un peu sur la corde, même pour s’achever par le malheur de notre famille de héros (à la mère autoritaire). Voilà la Guerre, la grande dévoreuse d’hommes, qui réquisitionne les chevaux pour les armées de cavalerie. Il faut reconnaître au film qu’au niveau des séquences équestres, il assure, en nous offrant régulièrement de magnifiques plans de chevauchées et une reconstitution d’époque largement à la hauteur. Il insiste aussi sur quelques réalités historiques intéressantes, comme l’évolution de l’art de la guerre, qui a connu un tournant avec le début de la première guerre mondiale. Avant, c’était une guerre de mouvement, avec des déplacements de troupes et des combats à découverts. Avec l’arrivée d’armes plus meurtrières (canons performants, mortiers, mitrailleuses…), les soldats devaient fortifier leur position, et c’est ainsi que sont nées les tranchées. Avec un massacre des forces de cavaleries, le film annonce déjà le bouleversement des stratégies guerrières, et chose inespérée, nous fait découvrir la guerre dans les deux camps, les chevaux changeant souvent de main au fur et à mesure des mouvements de troupe. Mais si les parties guerrières sont plutôt intéressantes (notre dresseur entrant bientôt lui aussi dans la mêlée), le film s’attarde aussi sur des épisodes gentillets, mais dispensables (la petite fille française qui dresse les chevaux, c’est 20 minutes qu’on aurait pu abréger, ou encore le loooong final où on tente de nous faire stresser avec la mise à mort du cheval… suspendue par le sifflet du dresseur qui retrouve enfin son cher cheval, que tout le monde se met instantanément à aimer et à soigner). Le défaut des grandes œuvres de Spielberg, c’est qu’il en fait parfois trop en se regardant filmer, comme c’était parfois le cas dans Il faut sauver le soldat Ryan. Mais malgré ces quelques longueurs, les intentions sont là, et elles sont honnêtes. Ce n’est pas le meilleur Spielberg, mais c’est à mettre dans le haut de la pile, c’est clair.

4.9/6

2011
de Steven Spielberg
avec Jeremy Irvine, Emily Watson

L’idéologie nazie a débouchée sur pas mal d’idées en termes de films. La secte sans nom, Frontière(s), Inglorious bastards (et pas basterds, attention !)… Sans compter sur les films de guerre qui s’intéressent leur idéologie. Aussi, un pitch comme celui d’ Un élève doué peut se révéler stimulant, puisqu’on y cause d’un jeune lycéen qui, fasciné par la période historique du régime fasciste, finit par retrouver un des criminels de guerre en fuite, et qu’il se propose de le faire chanter afin de lui soutirer des souvenirs de ses expériences dans les camps. Un postulat enthousiasmant, pour un résultat qui laisse assez mitigé.

L’histoire : Todd, lycéen brillant, retrouve la trace de Dussender, un ancien nazi chef de camp pendant la seconde guerre mondiale. Contre son silence sur sa nouvelle identité, il réclame des souvenirs.

Le postulat de départ a tout pour convaincre. Parler de fascination pour cette période sombre de l’Histoire, le lourd chapitre des camps de concentration, est malsain, mais l’intérêt qu’on y porte n’en est pas moins fort, l’homme ayant besoin de savoir jusqu’où certains ont pu aller, ce qu’il se passe quand on outrepasse tous les fondamentaux de l’Humanité. Aussi, le point de départ du film est bien choisi, puisqu’il commence par l’évocation des souvenirs du nazi, et de plusieurs conversations qu’il entretient avec le lycéen sur ses anciennes activités. Un discours réaliste, prolixe en détails, qui étoffe bien la carrure de Dussender en officier nazi. De plus, un certain recul pris par le film avec l’officier nazi (une musique pas agressive, traitant plus Dussender comme un témoin que comme un criminel) tend à rendre le récit un peu plus troublant. Mais sur ces bonnes bases, le film se casse bientôt la figure. En effet, on assiste alors peu à peu à un jeu du chat et de la souris entre le vieux nazi et le jeune lycéen, qui tentent de se faire chanter mutuellement pour éviter que l’un dénonce l’autre. On s’éloigne complètement de la fascination et des désirs de savoir plantés dans l’introduction. En fait, après la première heure, le film n’apporte plus grand-chose, et il reste encore trois quarts d’heure au compteur. Notre vieux nazi élimine un clochard témoin de son passé, notre jeune a des notes en baisse (un comble pour un petit nazillon avide d’excellence) avant de tuer un pigeon à l’aile froissée avec son ballon de basket. Pendant ce temps, notre vieux nazi tente de tuer un chat en le faisant cuire dans son four, mais il se plante (on n’allait pas sacrifier un chat, quand même). On relèvera aussi une scène totalement inutile où notre officier est contraint de remettre son ancien uniforme de nazi et où notre nazillon le fait marcher au pas dans le salon avant d’en avoir assez, parce que la musique d’ambiance devient trop forte. Finalement, le film s’empêtre dans son discours idéologique, hésitant trop à montrer le potentiel de fascination de l’idéologie nazie sur le lycéen, alors que dès le début, c’est le rôle qui lui était dévolu. Au final, le film se freine, n’y va pas à fond, et se bloque sur des détails pas très significatifs, comme les mauvais traitements des animaux précédemment évoqués. Toutefois, le film donne envie de découvrir la nouvelle de Stephen King dont le scénario est inspiré. Le film essaye pourtant de redresser la barre de la morale avec l’intervention d’un ancien déporté (qui reconnaît son ancien bourreau, une scène maintenant connue sur ce sujet, mais qui ne laisse jamais indifférent) qui dénonce l’ancien officier. Nous avons alors le FBI et le Mossad qui viennent encadrer l’affaire, et qui trouvent vite des trucs bizarres pendant l’interview avec le nazillon. Nazillon qui d’ailleurs, à une minute de la fin, se lance dans une tentative de chantage auprès de son conseiller d’orientation totalement hors-sujet, le fait d’être nazi sous-entendant dès lors d’être intelligent et manipulateur ( ??). En bref, sans que le film devienne puant idéologiquement, il se révèle aussi beaucoup trop timide et pas assez clair dans sa démarche pour susciter de l’adhésion. L’exercice de style était périlleux (un tel sujet est prompt à relancer des polémiques), mais le résultat, à moitié avorté, est aussi inutile qu’un fœtus dans un bocal de verre. Inutile de préciser que le film est interdit aux moins de 16 ans, mais qu’il faudrait être vraiment influençable et sans recul moral pour se laisser corrompre par un film finalement aussi peu engagé.

1/6

1997
de Bryan Singer
avec Ian McKellen, Brad Renfro

Zombi mon ami, qu’a-t-on inventé de nouveau, depuis ta création par monsieur Romero ? Pas grand-chose, si ce n’est qu’ils ont un peu accéléré l’allure depuis les années 60. Mais curieusement, dans un film sorti récemment titré The dead, ils reviennent à une allure lente. Comment faire un film palpitant dans ces conditions ? Très simple, il suffit d’appliquer les codes de la menace omni-présente, de tenir compte des règles simples de la survie en territoire zombie, et on obtient un film efficace avec peu de budget, qui plus est se payant le luxe de délocaliser l’intrigue en Afrique.

L’histoire : un ingénieur fuyant la contamination du continent africain par un virus zombie, voit son avion s’écraser peu après son décollage. Il doit donc rejoindre l’un des camps fortifiés de la zone en survivant à l’enfer zombie.

Simple et efficace, ce retour à une menace zombie lente, mais inexorable, est un bon retour à la définition originale du zombie. Très Romero dans les règles, ce film mise son suspense non pas sur l’impact des apparitions des zombies (ce que faisait Snyder dans L’armée des morts), mais sur le court laps de temps qu’on a chaque fois nos humains pour pouvoir se sortir de leurs embuscades. Les amateurs de films qui bougent pourront trouver ça chiant, et pourtant, le suspense est bel et bien tendu tout du long d’une heure quarante de film. Tout simplement parce qu’à chaque imprévu, à chaque immobilisation un temps soit peu prolongée, les zombies commencent à affluer par dizaines, rendant le corps à corps périlleux et obligeant nos humains à gaspiller leurs munitions. Un suspense à l’usure, qui se révèle ici parfaitement retranscrit par les péripéties du script. En plus du problème zombie, les conditions naturelles sont ici très bien prises en compte, puisqu’à plusieurs étapes du voyage, nos héros doivent prévoir avec les conditions climatiques, en traversant un désert où l’eau se fait rare, et où la moindre erreur pourrait être fatale. Sans prétendre à faire dans la critique sociale, le film se révèle être un bon film de zombie, avec des enjeux humains et un personnage principal charismatique, que nous accompagnerons avec anxiété pendant tout son périple. Autre point fort du film, ce dernier ayant été fait avec un budget dérisoire, il sent l’authenticité, le vécu. On évolue dans une Afrique sauvage, contaminée et tout à fait crédible, ce qui ajoute un certain cachet d’authenticité au film. Si le maigre budget se fait parfois sentir (un crash aérien un peu cheap), le récit est intense et l’aventure palpitante. Qu’on en prenne de la graine, il enterre dix fois Survival of the dead !

4.3/6

2010
de Howard J. Ford
avec Rob Freeman, Prince David Osei

Chronique express : The bone snatcher.

Rien à dire ou presque sur cette petite bisserie sans pretention et sans ambition qui se plante totalement malgré de bonnes idées de ci de là. En effet, il s’agit ici d’une équipe de secours qui recherche des survivants dans le désert et qui ne retrouve que des corps rongés jusqu’aux os (on est donc dans une repompée d’Aliens, comme nous le dit la tag line : « dans le désert, personne ne vous entend crier »). Mais dans un appartement, on a pu entendre le spectateur que j’étais pousser un beuglement de protestation. Il ne se passe rien, les acteurs jouent mal, et la créature sympathique consiste surtout en des CGI mal foutus (de petites sphères qui s’écoulent tel un liquide) et en quelques animatroniques sympathiques, mais visible à l’écran pendant deux minutes grand max sur tout le film. Je vous passe le final où nos héros se retrouvent face au « cerveau » de la créature planté tout au fond de la fourmilière, et où ils hésitent pendant de longues minutes avant de le tuer. Long et inutile, et même pas assez de trucs pour qu’on se moque de lui.

0/6

2003

de Jason Wulfsohn

Jamie Foxx, je t’avais mal jugé. Jusqu’à maintenant, le seul film que j’avais vu avec un de tes rôles, c’était Furtif, un navet tellement nase que j’en avais ris pendant deux heures et demie, surtout que tes interventions avaient tout du cliché « black coolisant qui se la pète ». Autant dire que je m’étais gourré sur ton compte (tu avais joué là dedans juste pour le chèque), car avec Collatéral, tu t’appliques comme un Denzel Washington, et tu parviens presque à devenir impressionnant le temps de quelques scènes. Respect, surtout que dans ce thriller, tu parviens à être de taille face à Tom Cruise (qui fait lui aussi des efforts de jeu).

L’histoire : un taxi est payé par un tueur pour le transporter pendant toute une nuit jusqu’au lieu d’exécution de ses contrats.

En effet, dur de prévoir qu’on allait avoir affaire à un thriller de belle qualité. Si la filmographie de Michael Mann m’est étrangère, Tom Cruise semblait prêt à bouffer toute l’intrigue avec son personnage. Pourtant, Michael Mann fait preuve d’un certain savoir-faire, en prenant son temps pour d’abord planter son personnage de chauffeur de taxi nocturne, plutôt sympathique et avenant, et en tout cas bien loin des clichés du black tchatcheur de Furtif. Une personnalité fluide, un poil passe-partout, mais qui nous est attachante dans cette ville très hype quand la lune se lève. La photographie et les ambiances nocturnes sont à ce titre bien travaillées, rendant immédiatement le film agréable à voir (c’était Drive avant l’heure). Et ici, le personnage de Cruise fait instantanément plaisir, puisqu’on sait d’or et déjà qu’il va être le méchant de l’histoire. Enfin, méchant… Il joue d’abord sur l’ambiguité de son statut de tueur, le dernier acte délivrant enfin seulement le but de sa mission de nettoyage. C’est d’ailleurs cette ambiguité du personnage du tueur qui font à la fois sa force et sa faiblesse, les fréquentes saillies émotionnelles du personnage semblant en total décalage avec les pics de violence du film qui ne manquent pas d’impact à chaque meurtre. Par son concept (5 meurtres à effectuer d’un bout à l’autre de la ville), le scénario assure un certain rythme, en ponctuant le film du récit par de fréquentes péripéties qui viennent retendre l’action quand elle commençait à s’étioler. Mais si niveau évènements, ça balance bien, les dialogues bénéficient eux aussi d’un grand soin, plantant très bien le raisonnement des deux personnages au cours des trajets en voiture. Soin primordial, puisque c’est principalement au cours de ces petits « temps morts » que nos personnages se confrontent, la vision du tueur considérant les individus comme insignifiants s’attaquant à la carrière du taximan, qui stagne à son poste malgré des projets d’avenir plus prometteurs. Toutefois, Collatéral n’est pas sans défaut. Sa formule toute faite (un tueur et un monsieur tout-le-monde obligé de l’épauler, des péripéties bateaux, comme les deux flics qui arrêtent la bagnole pour l’inspecter et qui se barrent au dernier moment…) l’empêche quelque peu d’accéder à un statut de chef d’œuvre (si le spectacle est bon, je ne me rappelle pas avoir été vraiment emballé par une séquence), le spectacle est largement divertissant, reposant sur un bon duo d’acteurs qui fonctionne beaucoup mieux que ce à quoi on aurait pu s’attendre. Un peu bateau (comme cette chronique), mais un thriller qui remplit largement son office.

4,5/6

2004
de Michael Mann
avec Tom Cruise, Jamie Foxx